Thibaudet toca Gershwin

Domingo, 4 de agosto de 2019 , 18:30

Bernstein: Obertura de Candide

Gershwin: Concierto en fa mayor para piano y orquesta

Respighi: Los pinos de Roma

Leonard Bernstein (1918-1990)

Obertura de Cándido

Compuesto: 1956
Instrumentación: 2 flautas más flautín, 2 oboes, 2 clarinetes más clarinete en mi bemol y clarinete bajo, 2 fagotes más contrafagot, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 4 percusiones (caja, tambor tenor, bombo, platillos, triángulo, xilófono, glockenspiel), arpa y cuerdas.

Tras el éxito de On the Town (1944) y Wonderful Town (1953), Bernstein se inspiró en la novela de Voltaire Cándido para su tercer musical. Adaptada originalmente por Lillian Hellman para Bernstein, la cómica producción sigue el desastroso viaje del noble joven Cándido por "el mejor de los mundos posibles". La primera representación en Nueva York se cerró tras sólo 73 representaciones, ya que el público no estaba seguro de cómo clasificar la obra: ¿era un musical o una ópera? Bernstein intentó responder a esta pregunta más tarde:

Candide empieza a parecerme una opereta a la antigua usanza, o una ópera cómica... Pero no una comedia musical, ¿verdad? ... Por supuesto que es un tipo de opereta, o alguna versión del teatro musical que es básicamente europea pero que los americanos hace tiempo que aceptaron y llegaron a amar.

Una versión de 1973, que aligeraba tanto el libreto como la música, resultó más popular y se representó durante tres años en Broadway.

A pesar de los difíciles comienzos de Candide, la obertura cosechó repetidos elogios y se convirtió rápidamente en una popular incorporación al repertorio de conciertos. Entrelaza muchos de los números musicales del drama, incluida la "Fanfarria Westfaliana" de apertura, la melodía arrebatadora de "Oh, Happy We" y el enérgico tema (hecho famoso por Dick Cavett) de "Glitter and Be Gay".

 

George Gershwin (1898-1937)

Concierto en fa mayor para piano y orquesta

Compuesto: 1925
Instrumentación: Piano solo, 2 flautas más flautín, 2 oboes más corno inglés, 2 clarinetes más clarinete bajo, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 4 percusiones (glockenspiel, xilófono, caja de madera, tam-tam, triángulo, caja, látigo, platillos crash, platillo suspendido, bombo), y cuerdas

En enero de 1924, el director de orquesta Paul Whiteman anunció la participación de Gershwin en un concierto que tendría lugar el mes siguiente en Nueva York y que denominó "Un experimento de música moderna". El anuncio fue la primera noticia que Gershwin tuvo del concierto, pero de todos modos aceptó de buen grado el proyecto, intrigado por la exploración de Whiteman del "jazz sinfónico". Con la ayuda del orquestador Ferde Grofé, Gershwin compuso su Rhapsody in Blue en cuestión de semanas, y se convirtió en una sensación instantánea en el estreno de febrero de 1924. Entre el público de aquella velada se encontraba el director de orquesta de la New York Symphonic Society, Walter Damrosch, que quedó encantado con la pieza e inmediatamente se puso en contacto con Gershwin para encargarle otra igual. Tras algunas conversaciones, Gershwin accedió a escribir un concierto para piano para Damrosch, quien a su vez garantizó al menos siete representaciones de la nueva pieza con el propio Gershwin como solista. Gershwin vio en el encargo una oportunidad de fusionar realmente los aspectos estructurales de la música clásica con el lenguaje del jazz y de establecerse como un compositor "serio". Incluso modificó el título original de la obra, New York Concerto, para enfatizar su forma clásica y situarla en la tradición que había producido tantas grandes obras del mismo género en los 150 años anteriores. A diferencia de la Rhapsody in Blue, Gershwin orquestó él mismo el Concierto en Fa, y más tarde describió esta decisión como una prueba para sí mismo y para el mundo:

Muchas personas habían pensado que la Rapsodia era sólo un feliz accidente. Pues bien, me propuse, por un lado, demostrarles que había más de donde había salido aquello. Decidí hacer una pieza de música absoluta.... El Concierto no estaría relacionado con ningún programa.... Aprendí mucho de la experiencia, sobre todo en el manejo de instrumentos combinados.

El estreno del concierto en diciembre de 1925 consolidó el lugar de Gershwin entre los grandes de la composición estadounidense. Damrosch no podía estar más contento con la obra, expresando con efusivo entusiasmo lo que Gershwin hizo por el jazz con el concierto:

Gershwin es el príncipe que ha tomado a Cenicienta de la mano y la ha proclamado abiertamente princesa ante el mundo atónito, sin duda para furia de sus envidiosas hermanas.

Un crítico escribió: "De todos los que escriben música hoy en día, sólo él nos expresa realmente", palabras con las que aún podemos identificarnos casi 95 años después.

El concierto comienza con un riff característico de los timbales, que recuerda quizás el inusual comienzo del concierto para violín de Beethoven. Las quintas abiertas de esta introducción y la melodía y el ritmo charlestón que le siguen establecen inmediatamente un sonido "americano" para el concierto. El propio Gershwin describe el movimiento de apertura como "rápido y palpitante, que representa el espíritu joven y entusiasta de la vida americana". La sensual brisa del tema inicial del piano, lleno de síncopas y acentos fuera de compás, es difícil de olvidar. En medio de este movimiento en forma de sonata muy libre, una amplia melodía dirigida por las cuerdas en lo más profundo de su registro parece contrarrestar la actividad y la excitación que la rodean.

Gershwin describe el segundo movimiento en Re bemol mayor como "una poética atmósfera nocturna que ha llegado a denominarse blues americano". De hecho, la pieza central del movimiento es un lamento bluesero en la trompeta que el piano acaba transformando en una melodía de paseo. Nuevas melodías parecen surgir del fondo, apareciendo en formas diferentes con cada repetición.

En el final, un comienzo bullicioso y virtuosístico con notas de percusión que se repiten locamente en el piano recuerda inesperadamente el tema melancólico principal del primer movimiento, ahora marcato y lleno de pasión. El movimiento es, según Gershwin, "una orgía de ritmos", con patrones de acentos de cinco tiempos que mantienen el ritmo a toda velocidad. También se evoca una melodía del segundo movimiento, y un uso dramático del gong da paso a una repetición del tema melancólico (y el lema inicial de los timbales) por última vez con toda la orquesta.

 

Ottorino Respighi (1879-1936)

Los pinos de Roma

Compuesto: 1923-24
Instrumentación: 3 flautas ( doblando a flautín), 2 oboes más corno inglés, 2 clarinetes más clarinete bajo, 2 fagotes más contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 5 percusiones (bombo, platillos crash, platillos suspendidos, platillos pequeños, tam-tam, triángulo, pandereta, carraca, glockenspiel, sonidos de pájaros grabados), arpa, piano, celesta, órgano y cuerdas, más trompeta fuera de escena y 6 buccinas. (La buccina era un instrumento de metal curvo que tocaba el antiguo ejército romano y que ya no existe. Las partes de buccina de esta noche se tocan con 2 trompas, 2 trompetas y 2 trombones, todos colocados fuera del escenario).

Si Gershwin utilizaba su concierto como método para iniciarse en el arte relativamente desconocido de la orquestación, Respighi llevaba al siguiente nivel sus ya demostradas habilidades para crear arremolinadas matrices de color sinfónico con Los pinos de Roma. Había estudiado orquestación con el maestro ruso de los efectos tímbricos, Rimsky-Korsakov, y en la década de 1920 ya había consolidado su habilidad como compositor de vívidos poemas tonales.

Los pinos de Roma es la segunda de la llamada "trilogía romana" de Respighi, que comenzó con Las fuentes de Roma (1916) y terminó con Los festivales de Roma (1928). Pinos es quizás la obra más aclamada de Respighi, a pesar de un comienzo difícil. En el estreno en Roma el 14 de diciembre de 1924 (y de nuevo en la repetición el 28 de diciembre), la sala estaba abarrotada, la expectación era máxima y el ambiente fue descrito por la esposa de Respighi, Elsa, como "eléctrico". Al final del primer movimiento, en el que la trompeta repite juguetonamente una "nota equivocada" escrita en la partitura, el público inició un coro de abucheos y silbidos que amenazó con interrumpir por completo el concierto. Un espectador llegó a gritar: "¡No debe continuar!". Pero la orquesta continuó y se ganó al público. Al final de la pieza, según Elsa, hubo "un aplauso frenético como nunca se había oído en el Augusteo". Más tarde, cuando un amigo le sugirió que cambiara el final del primer movimiento, Respighi se rió: "Bueno, que abucheen... ¿qué me importa?".

La pieza, interpretada sin pausa, está llena de momentos vibrantes. El propio Respighi dio las siguientes descripciones breves y programáticas de cada movimiento:

  1. Los niños juegan en los pinares de Villa Borghese, bailan en círculos. Juegan a soldados, marchando y luchando; se agitan con sus propios gritos como golondrinas al atardecer; van y vienen en enjambres.
  2. Vemos las sombras de los pinos que bordean la entrada de una catacumba. De las profundidades se eleva el sonido de un canto lúgubre, que flota en el aire como un himno solemne y desaparece gradual y misteriosamente.
  3. III. Un temblor recorre el aire: los pinos del Janículo se perfilan nítidamente a la clara luz de la luna llena. Canta un ruiseñor.
  4. Amanece brumosa en la Vía Apia: pinos solitarios custodian el trágico paisaje; el ritmo sordo e incesante de pasos interminables. El poeta tiene una visión fantástica de glorias pasadas: suenan las trompetas y, en el resplandor del sol recién salido, un ejército consular irrumpe hacia la Vía Sagrada, subiendo triunfante a la Colina Capitolina.

La marcha arremolinada del primer movimiento, llena de glissandi juguetones, acompaña acertadamente los juegos de los niños. El inquietante canto de las catacumbas utiliza combinaciones inusuales de instrumentos que tocan en octavas, incluida una línea de flauta y fagot. La mágica tranquilidad de la tenue sección Janiculum debe considerarse uno de los mejores logros de Respighi (la partitura incluso pide que se reproduzca una grabación del canto de un ruiseñor hacia el final). Un largo y gradual crescendo marca la aproximación del lejano ejército en el movimiento final, y los pasos se representan con golpes de timbal cada octavo tiempo hasta el final.

 

Notas de programa escrito por Jon Kochavi