Notas del programa The American Experience

Sábado, 7 de agosto de 2021 , 18:30

Precio: La sombra de Etiopía en América

Montgomery: Cinco canciones de libertad

Copland: Lincoln Portrait

Florence Price (1887-1953)

La sombra de Etiopía en América

Compuesto: 1929-1932
Instrumentación: 2 flautas y piccolo, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 4 percusiones (platillo suspendido, caja de madera, caja, bombo, glockenspiel, xilófono, platillos), celesta y cuerdas

Florence Price forma parte de la creciente lista de prolíficos compositores afroamericanos cuya música está siendo redescubierta por el público de la música clásica del siglo XXI. Nacida de una madre músico y de un padre que era uno de los pocos dentistas negros de la época en Estados Unidos, Price fue una música precoz y una estudiosa. Dio su primera actuación en público a los 4 ó 5 años, publicó su primera composición a los 11 años y se graduó en el instituto de Little Rock con el mejor expediente académico en 1903. Continuó estudiando piano y órgano en el Conservatorio de Nueva Inglaterra (curiosamente, en su solicitud declaró ser mexicana y no afroamericana, pensando que su raza le impediría ser admitida). Después de dar clases en Little Rock y Atlanta, Price dejó el Sur para ir a Chicago en 1927, cuando un linchamiento especialmente horrible en su comunidad fue la gota que colmó el vaso para muchas familias negras de Little Rock que tenían los medios para unirse a la Gran Migración. El traslado fue fortuito. Price se sumergió rápidamente en la rica vida musical de la ciudad, donde se dio a conocer como intérprete, profesora y compositora. Su mayor avance se produjo en 1932, cuando su Sinfonía nº 1 ganó el premio Rodman Wanamaker para una composición sinfónica de un compositor afroamericano. Ese mismo año, su sonata para piano ganó en la categoría de composición para piano, y dos piezas obtuvieron mención de honor en esas categorías, entre ellas Ethiopia's Shadow in America. Estas victorias no sólo supusieron una considerable recompensa económica, sino que también condujeron al estreno de la Sinfonía nº 1 por parte de la Orquesta Sinfónica de Chicago, la primera interpretación de una obra sinfónica de una mujer afroamericana por parte de una gran orquesta estadounidense. La obra fue excepcionalmente bien recibida y llevó a Price a la fama nacional. Más adelante escribiría cuatro sinfonías, tres conciertos a gran escala, numerosas obras orquestales y cientos de piezas vocales y para piano.

En un artículo del New York Times de 2018, la académica Micaela Baranello detalla el don de Price para la autodefensa y la organización meticulosa de sus partituras. Tras la muerte de Price en 1953, su ausencia física provocó un rápido descenso en las representaciones de sus obras. Pero el descubrimiento en 2009 de un tesoro de partituras ordenadas e inéditas en la antigua casa de verano de Price inició un renacimiento entusiasta de la música de Price. Su poema tonal (y probablemente su primera pieza orquestal) Ethiopia's Shadow in America se encontraba entre estas partituras, y se cree que la interpretación de 2015 de la pieza por la Sinfónica de la Universidad de Arkansas fue su estreno. Uno o dos años antes de la pandemia, la partitura fue publicada, y la pieza había visto múltiples interpretaciones en todo Estados Unidos.

La música de Price tenía la extraña habilidad de captar el espíritu de los modismos folclóricos afroamericanos sin citar directamente ninguna canción o melodía específica. Gran parte de esta cualidad procedía de elementos rítmicos, como escribió Price:

En todos los tipos de música negra, el ritmo tiene una importancia preeminente. En la danza, es una fuerza irresistible que avanza y no tolera ninguna interrupción. Todas las fases de la actividad verdaderamente negra -ya sea el trabajo o el juego, el canto o la oración- son más que aptas para adquirir una cualidad rítmica.

La descripción que hace Price de la narración representada en La sombra de Etiopía en América es la siguiente:

I. Introducción y Allegretto: La llegada del negro a América cuando fue traído por primera vez como esclavo
II. Andante: Su resignación y su fe
III. Allegro: Su adaptación, una fusión de sus impulsos nativos y adquiridos

La Introducción es por momentos profundamente noble, marchosa y opresiva, y lamentable. El Allegretto, breve y ligero, introduce ritmos característicos y ostinatos que recuerdan a la era del jazz. El conmovedor Andante, con solos para violín, violonchelo y otros, es una melodía de tipo espiritual cálidamente acompañada que parece hacer referencia oblicua a "Swing Low, Sweet Chariot". La sección final es una especie de danza Juba orquestal, un estilo favorito de Price. La Juba era una danza de plantación temprana desarrollada por los esclavos afroamericanos que implicaba una animada percusión corporal (a los esclavos se les prohibía generalmente tocar los tambores por miedo a que codificaran mensajes secretos en sus ritmos). La obra de Price termina con un retorno al tema de la Introducción, a la vez un homenaje y un recuerdo.

Jessie Montgomery (n. 1981)

Cinco canciones de libertad

Compuesto: 2018, 2021
Instrumentación: soprano solista, 1 percusión (bombo, caja, hi-hat, platillos, tambor de freno, glockenspiel) y cuerdas

Jessie Montgomery es una compositora y violinista nacida en Nueva York que se está convirtiendo rápidamente en un nombre conocido en el mundo de la música clásica estadounidense. Estudió en Juilliard y es ex alumna de la Organización Sphinx, un conjunto de conjuntos musicales diseñado para promover y apoyar a jóvenes músicos afroamericanos y latinos. Montgomery mantiene estrechos vínculos con el grupo y actualmente es compositora residente de los Sphinx Virtuosi, la rama profesional de la organización que realiza giras. Sus obras reflejan sus antecedentes e influencias, entrelazando dinámicamente su experiencia de inmersión en la música clásica y su identidad arraigada en la América multicultural con su propia colcha sónica en evolución. Montgomery también mantiene una carrera activa como intérprete, y su Catalyst Quartet publicó su quinto álbum, UNCOVERED, con música de Samuel Coleridge-Taylor, el pasado mes de febrero.

Este año, Montgomery asumió el papel de compositora residente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. En este puesto, sucede a la anterior Missy Mazzoli, cuya obra These Worlds In Us forma parte de la temporada de verano 2021 del Festival (el favorito de Sun Valley, Mason Bates, también ocupó el puesto anteriormente). Montgomery ha citado a Mazzoli como inspiración para su visión al comenzar su periodo de tres años en la CSO. Aunque más de la mitad de los compositores residentes de la CSO han sido mujeres, el nombramiento de Montgomery marca la primera vez que un compositor afroamericano ocupa el puesto. Montgomery y Florence Price son las únicas mujeres negras cuya música ha interpretado la OSC en sus 130 años de historia.

Five Freedom Songs fue un encargo conjunto del Sun Valley Music Festival, la Sinfónica de San Francisco, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de New Haven, el Grand Teton Music Festival, la Sinfónica de Kansas City y el Virginia Arts Festival. Como comisario principal, el Festival presenta esta noche su estreno mundial.

Durante el año de residencia artística 2018-2019 de Julia Bullock en el programa MetLiveArts del Museo Metropolitano de Arte, encargó a Montgomery la composición de la obra Five Slave Songs para voz y pequeño conjunto de cuerdas, que interpretó en su primer concierto en el Met. Montgomery y Bullock revisaron la antología Slave Songs of the United States de 1867 y eligieron cinco textos y melodías que Montgomery plasmó en arreglos ricos, estratificados y a menudo viscerales que reflejan la historia y el legado moderno de la experiencia de los esclavos afroamericanos. Five Freedom Songs se basa en esta colaboración, ampliando y enriqueciendo estos arreglos. Montgomery escribe sobre su nuevo trabajo:

Five Freedom Songs fue concebido en colaboración con la soprano Julia Bullock entre 2017-2018. Queríamos crear un ciclo de canciones que honrara nuestra herencia afroamericana compartida y la tradición del espiritual negro, a la vez que experimentáramos con contextos estilísticos no tradicionales.

Cada una de las cinco canciones de este ciclo procede de la antología histórica Slave Songs of the United States (publicada originalmente por A. Simpson & Co., Nueva York, 1867), que clasifica cada canción según su origen y contexto social.

Por ejemplo, "My Lord, What a Morning" es en realidad la letra original del espiritual más popular "Stars Begin to Fall", que también se originó en los estados esclavistas del sureste. "I Want to Go Home" también es originaria de los estados del sureste, y mi adaptación se inspira en la forma en que fue transcrita como una simple melodía de siete notas sin un ritmo indicado, lo que me inspiró a escribirla en un estilo híbrido de canto gregoriano/espiritual. "Lay dis Body Down", una canción fúnebre que se dice que es originaria de la región que rodea a Carolina del Sur, está ambientada en un estilo improvisado, en el que cada parte del conjunto elige su propio ritmo de la línea para crear una meditación arremolinada. "Padre mío, ¿hasta cuándo?" contiene el estribillo "Pronto seremos libres, pronto seremos libres, De Señor nos llamará a casa", cuyas palabras reflejan el doble sentido entre la salvación espiritual y la liberación de la opresión. Se trata de una canción surgida de una cárcel de Georgetown (Carolina del Sur) en el momento de la Gran Rebelión, y está acompañada de sonidos de percusión en las cuerdas que evocan a los encadenados. "The Day of Judgment" tiene su origen en la región que rodea a Luisiana y se plantea como una celebración desasosegante sobre el estribillo de un patrón de tambores tradicional de África Occidental.

Aaron Copland (1900-1990)

Retrato de Lincoln

Compuesto: 1942
Instrumentación: narrador, 2 flautas que doblan al piccolo, 2 oboes y corno inglés, 2 clarinetes y clarinete bajo, 2 fagotes y contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (glockenspiel, platillos suspendidos, campanillas, caja, tam-tam, bombo), arpa, celesta y cuerdas

Copland compuso su inspirador Lincoln Portrait a petición del director Andre Kostelanetz y la Orquesta Sinfónica de Cincinnati. Se trataba de la misma orquesta que ese mismo año le había encargado su largamente acariciada Fanfare for the Common Man. Kostelanetz -con sentimientos de orgullo y desafío tras el ataque a Pearl Harbor- encargó a varios compositores la creación de una "galería de retratos musicales de grandes americanos". Copland eligió a Lincoln pero con cierto temor, escribiendo:

Ningún compositor podría esperar igualar en términos musicales la estatura de una figura tan eminente como la de Lincoln.... Pero secretamente esperaba evitar la dificultad haciendo un retrato en el que el propio retratado pudiera hablar. Con la voz de Lincoln como ayuda, estaba dispuesto a arriesgar lo imposible.

Copland eligió cuidadosamente los extractos particulares de los discursos y escritos de Lincoln para su "voz" narrada, citas que parecen reflejar no sólo la crisis de la Guerra Civil, sino las continuas desigualdades e inhumanidades de Jim Crow (las Fuerzas Armadas durante la Segunda Guerra Mundial, por ejemplo, todavía estaban oficialmente segregadas). Las palabras de Lincoln, pronunciadas un mes antes de la promulgación de la Proclamación de Emancipación, eran premonitorias: "Conciudadanos, no podemos escapar de la historia". Estas palabras, tan destacadas en el Retrato de Lincoln, resonaron en Copland durante la década que precedió al viaje desde el caso Brown v. Board of Education hasta las sentencias sobre derechos civiles de mediados de la década de 1960. Lo que Copland no podía saber en 1942 era el papel central que Lincoln desempeñaría como una especie de emblema histórico del Movimiento por los Derechos Civiles, solidificado e inmortalizado por la elección de Martin Luther King Jr. de pronunciar su discurso "Tengo un sueño" en 1963 desde el Lincoln Memorial. El mismo lugar fue elegido para el concierto del Día de los Caídos de 1968 de la Orquesta Sinfónica Nacional en honor del Dr. King, que había sido asesinado menos de dos meses antes. El componente central de esa actuación fue el Retrato de Lincoln, narrado por la viuda de King. Aunque esa actuación tuvo que ser trasladada al interior debido a las condiciones meteorológicas, Coretta Scott King actuó como narradora de la pieza en numerosas ocasiones a lo largo de su vida, incluida una actuación en 1969 en Washington, D.C., dirigida por el propio Copland.

La introducción orquestal sirve para representar múltiples facetas de la personalidad de Lincoln, abriendo con una sección noble que toca su "misterioso sentido de la fatalidad", como escribió Copland. Copland incluye una cita quejumbrosa de la melodía popular americana del siglo XVIII "On Springfield Mountain", y en un animado esbozo de la América de Lincoln, aparecen breves fragmentos de "Camptown Races". A medida que la narración toma protagonismo, Copland pretende "dibujar un marco sencillo pero impresionante sobre las palabras del propio Lincoln".

Notas de programa escrito por Jon Kochavi