Florence Price (1887-1953)
La sombra de Etiopía en América
Compuesto: 1929-1932
Instrumentación: 2 flautas y flautín, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 4 percusión (platillo suspendido, caja de madera, caja, bombo, glockenspiel, xilófono, platillos), celesta y cuerdas
Florence Price forma parte de una lista cada vez mayor de prolíficos compositores afroamericanos cuya música está siendo redescubierta por el público de música clásica del siglo XXI. Nacida de una madre músico y un padre que era uno de los pocos dentistas negros que había entonces en Estados Unidos, Price fue una música precoz y una erudita. Tocó el piano por primera vez en público a los 4 ó 5 años, publicó su primera composición a los 11 y se graduó en el instituto de Little Rock con el mejor expediente académico en 1903. Posteriormente, estudió piano y órgano en el Conservatorio de Nueva Inglaterra (en su solicitud, afirmó ser mexicana y no afroamericana, pensando que su raza le impediría ser admitida). Tras dar clases en Little Rock y Atlanta, Price abandonó el Sur para trasladarse a Chicago en 1927, cuando un linchamiento especialmente horrible en su comunidad fue la gota que colmó el vaso para muchas familias negras de Little Rock que tenían medios para unirse a la Gran Migración. El traslado fue fortuito. Price se sumergió rápidamente en la rica vida musical de la ciudad, donde se dio a conocer como intérprete, profesora y compositora. Su mayor éxito se produjo en 1932, cuando su Sinfonía n.º 1 ganó el Premio Rodman Wanamaker para una composición sinfónica de un compositor afroamericano. Ese mismo año, su sonata para piano ganó en la categoría de composición para piano, y dos piezas obtuvieron mención honorífica en esas categorías, entre ellas Ethiopia's Shadow in America. Estas victorias no sólo supusieron una considerable recompensa económica, sino también el estreno de la Sinfonía n.º 1 por la Orquesta Sinfónica de Chicago, la primera interpretación de una obra sinfónica de una mujer afroamericana por una gran orquesta estadounidense. La obra tuvo una acogida excepcional, lo que llevó a Price a la fama nacional. Posteriormente escribiría cuatro sinfonías, tres conciertos a gran escala, numerosas obras orquestales y cientos de piezas vocales y para piano.
En un artículo del New York Times de 2018, la académica Micaela Baranello detalla el don de Price para la autodefensa y la meticulosa organización de sus partituras. Tras la muerte de Price en 1953, su ausencia física provocó un rápido descenso en las representaciones de sus obras. Pero el descubrimiento en 2009 de un tesoro de partituras ordenadas e inéditas en la antigua casa de verano de Price inició un renacimiento entusiasta de la música de Price. Su poema tonal (y probablemente primera pieza orquestal) Ethiopia's Shadow in America se encontraba entre estas partituras, y se cree que la interpretación de 2015 de la pieza por la Sinfónica de la Universidad de Arkansas fue su estreno. Uno o dos años antes de la pandemia se publicó la partitura, y la pieza había sido objeto de múltiples interpretaciones por todo Estados Unidos.
La música de Price tenía el extraño don de captar el espíritu de los modismos folclóricos afroamericanos sin citar directamente ninguna canción o melodía específica. Gran parte de esta cualidad procedía de elementos rítmicos, como escribió Price:
En todos los tipos de música negra, el ritmo tiene una importancia preeminente. En la danza, es una fuerza irresistible que no tolera interrupciones. Todas las fases de la actividad verdaderamente negra, ya sea el trabajo o el juego, el canto o la oración, son más que propensas a adoptar una cualidad rítmica.
La descripción que hace Price de la narración representada en La sombra de Etiopía en América es la siguiente:
I. Introducción y Allegretto: La llegada del negro a América cuando fue traído por primera vez como esclavo
II. Andante: Su resignación y su fe
III. Allegro: Su adaptación, una fusión de sus impulsos nativos y adquiridos
La Introducción es por momentos profundamente noble, marchosa y opresiva, y lamentosa. El Allegretto, breve y ligero, introduce ritmos característicos y ostinatos que recuerdan a la era del jazz. El conmovedor Andante, con solos para violín, violonchelo y otros, es una melodía espiritual cálidamente acompañada que parece hacer referencia oblicua a "Swing Low, Sweet Chariot". La sección final es una especie de danza orquestal Juba, un estilo favorito de Price. La Juba era una antigua danza de plantación desarrollada por los esclavos afroamericanos que implicaba una animada percusión corporal (a los esclavos se les prohibía generalmente tocar el tambor por miedo a que codificaran mensajes secretos en sus ritmos). La obra de Price termina con un retorno al tema de la Introducción, a la vez un homenaje y un recuerdo.
Jessie Montgomery (n. 1981)
Cinco canciones de libertad
Composición: 2018, 2021
Instrumentación: soprano solista, 1 percusión (bombo, caja, hi-hat, platillos, tambor de freno, glockenspiel) y cuerdas
Jessie Montgomery es una compositora y violinista nacida en Nueva York que se está convirtiendo rápidamente en un nombre conocido en el mundo de la música clásica estadounidense. Estudió en Juilliard y es antigua alumna de la Organización Sphinx, un conjunto de conjuntos musicales diseñados para promover y apoyar a jóvenes músicos afroamericanos y latinos. Montgomery mantiene estrechos vínculos con el grupo y actualmente es compositora residente de los Sphinx Virtuosi, la rama profesional de giras de la organización. Sus obras reflejan su formación y sus influencias, entrelazando dinámicamente sus profundos conocimientos de música clásica y su identidad arraigada en la América multicultural con su propia colcha sonora en evolución. Montgomery también mantiene una activa carrera como intérprete, y su Catalyst Quartet publicó su quinto álbum, UNCOVERED, con música de Samuel Coleridge-Taylor, el pasado mes de febrero.
Este año, Montgomery asumió el cargo de compositora residente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Sucede en el cargo a Missy Mazzoli, cuya obra These Worlds In Us también forma parte de la temporada de verano 2021 del Festival (Mason Bates, favorito de Sun Valley, también ocupó el cargo anteriormente). Montgomery ha citado a Mazzoli como fuente de inspiración para su visión al comenzar su etapa de tres años en la CSO. Aunque más de la mitad de los compositores residentes de la CSO han sido mujeres, el nombramiento de Montgomery marca la primera vez que un compositor afroamericano ocupa el puesto. Montgomery y Florence Price son las únicas mujeres negras cuya música ha interpretado la OSC en sus 130 años de historia.
Five Freedom Songs fue un encargo conjunto del Sun Valley Music Festival, la Sinfónica de San Francisco, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de New Haven, el Grand Teton Music Festival, la Sinfónica de Kansas City y el Virginia Arts Festival. Como comisario principal, el Festival presenta esta noche el estreno mundial.
Durante el año de residencia artística 2018-2019 de Julia Bullock en el programa MetLiveArts del Museo Metropolitano de Arte, encargó a Montgomery la composición de la obra Five Slave Songs para voz y pequeño conjunto de cuerda, que interpretó en su primer concierto en el Met. Montgomery y Bullock revisaron la antología de 1867 Slave Songs of the United States y eligieron cinco textos y melodías que Montgomery convirtió en arreglos ricos, estratificados y a menudo viscerales que reflejan la historia y el legado moderno de la experiencia de los esclavos afroamericanos. Five Freedom Songs se basa en esta colaboración, ampliando y enriqueciendo estos arreglos. Montgomery escribe sobre su nuevo trabajo:
Five Freedom Songs fue concebido en colaboración con la soprano Julia Bullock entre 2017-2018. Queríamos crear un ciclo de canciones que honrara nuestra herencia afroamericana compartida y la tradición del espiritual negro, experimentando al mismo tiempo con contextos estilísticos no tradicionales.
Cada una de las cinco canciones de este ciclo procede de la antología histórica Slave Songs of the United States (publicada originalmente por A. Simpson & Co., Nueva York, 1867), que clasifica cada canción en función de su origen y contexto social.
Por ejemplo, "My Lord, What a Morning" es en realidad la letra original del espiritual más popular "Stars Begin to Fall", también originario de los estados esclavistas del sureste. "I Want to Go Home" también es originaria de los estados del sudeste, y mi adaptación se inspira en la forma en que se transcribió como una melodía simple de siete notas sin un ritmo indicado, lo que me inspiró a escribirla en un estilo híbrido gregoriano/espiritual. "Lay dis Body Down", una canción fúnebre originaria de la región que rodea Carolina del Sur, está compuesta en un estilo improvisado, en el que cada parte del conjunto elige su propio ritmo de la línea para crear una meditación arremolinada. "Padre mío, ¿hasta cuándo?" contiene el estribillo "Pronto seremos libres, pronto seremos libres, De Señor nos llamará a casa", cuyas palabras reflejan el doble sentido entre la salvación espiritual y la liberación de la opresión. Es una canción que surgió en una cárcel de Georgetown, Carolina del Sur, al estallar la Gran Rebelión, y va acompañada de sonidos percusivos en las cuerdas que evocan la cadena de bandas. "The Day of Judgment" procede de la región que rodea Luisiana y se plantea como una celebración desasosegante sobre el estribillo de un patrón tradicional de tambores de África Occidental.
Aaron Copland (1900-1990)
Retrato de Lincoln
Compuesto: 1942
Instrumentación: narrador, 2 flautas que doblan al flautín, 2 oboes y corno inglés, 2 clarinetes y clarinete bajo, 2 fagotes y contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (glockenspiel, platillos suspendidos, campanillas, caja, tam-tam, bombo), arpa, celesta y cuerdas.
Copland compuso su inspirador Lincoln Portrait a petición del director Andre Kostelanetz y la Orquesta Sinfónica de Cincinnati. Se trataba de la misma orquesta que ese mismo año le había encargado su largamente acariciada Fanfare for the Common Man. Kostelanetz -con sentimientos de orgullo y desafío tras el ataque a Pearl Harbor- encargó a varios compositores la creación de una "galería de retratos musicales de grandes estadounidenses". Copland eligió a Lincoln pero con cierto temor, escribiendo:
Ningún compositor podría aspirar a igualar musicalmente la estatura de una figura tan eminente como la de Lincoln..... Pero secretamente esperaba evitar la dificultad haciendo un retrato en el que el propio retratado pudiera hablar. Con la voz de Lincoln para ayudarme, estaba dispuesto a arriesgar lo imposible.
Copland eligió cuidadosamente los fragmentos concretos de los discursos y escritos de Lincoln para su "voz" narrada, citas que parecen reflexionar no sólo sobre la crisis de la Guerra Civil, sino sobre las continuas desigualdades e inhumanidades de Jim Crow (las Fuerzas Armadas durante la Segunda Guerra Mundial, por ejemplo, seguían estando oficialmente segregadas). Las palabras de Lincoln, pronunciadas un mes antes de la promulgación de la Proclamación de Emancipación, eran premonitorias: "Conciudadanos, no podemos escapar de la historia". Estas palabras, tan destacadas en el Retrato de Lincoln, resonaron en Copland durante la década que precedió al viaje desde el caso Brown contra el Consejo de Educación hasta las sentencias sobre derechos civiles de mediados de la década de 1960. Lo que Copland no podía saber en 1942 era el papel central que Lincoln desempeñaría como una especie de emblema histórico del Movimiento por los Derechos Civiles, solidificado e inmortalizado por la elección de Martin Luther King Jr. de pronunciar su discurso de 1963 "Tengo un sueño" desde el Lincoln Memorial. El mismo lugar fue elegido para un concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional el Día de los Caídos de 1968 en honor del Dr. King, asesinado menos de dos meses antes. El elemento central de la actuación fue el Retrato de Lincoln, narrado por la viuda de King. Aunque la representación tuvo que ser trasladada al interior debido a las condiciones meteorológicas, Coretta Scott King actuó como narradora de la pieza en numerosas ocasiones a lo largo de su vida, incluida una representación en 1969 en Washington D.C. dirigida por el propio Copland.
La introducción orquestal sirve para representar múltiples facetas de la personalidad de Lincoln, abriendo con una noble sección que toca su "misterioso sentido de la fatalidad", como escribió Copland. Copland incluye aquí una lastimera cita de la melodía popular americana del siglo XVIII "On Springfield Mountain", y en un animado esbozo de la América de Lincoln, aparecen breves fragmentos de "Camptown Races". A medida que la narración toma protagonismo, Copland pretende "dibujar un marco sencillo pero impresionante sobre las palabras del propio Lincoln".
Notas de programa escrito por Jon Kochavi