Anna Clyne (n. 1980)
Mascarada
Compuesto: 2013
Instrumentación: 2 flautas más flautín, 2 oboes más corno inglés, 2 clarinetes más clarinete bajo, 2 fagotes más contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (bombo, platillos chisporroteantes suspendidos, castañuelas, 3 kazoos, caja, cencerros, platillos crash, cuerno motor, látigo, tam-tam, platillo suspendido, carraca, vibraslap, triángulo, pandereta), 2 arpas, piano y cuerdas.
Anna Clyne es una joven compositora británica que se trasladó a Nueva York para cursar estudios musicales y no ha dejado de recibir elogios por sus dramáticas y comunicativas partituras. Su música es ecléctica pero puede describirse como evocadoramente vívida, a menudo combinando medios acústicos y electrónicos y traspasando los límites tradicionales de los géneros. La música de Clyne ha sido interpretada por artistas convencionales y experimentales de todo el mundo. Fue compositora residente de la Orquesta Sinfónica de Chicago de 2010 a 2015, la compositora más joven en ocupar este puesto, y posteriormente fue compositora residente de la Sinfónica de Baltimore y la Sinfónica de Berkeley.
Su gloriosamente colorida Masquerade fue escrita para su estreno en el concierto final de los Proms de Londres de 2013 en el Royal Albert Hall. El concierto que culmina cada temporada del festival de verano, conocido como The Last Night of the Proms, es un acontecimiento muy popular, lleno de pompa y circunstancia (tanto general como de Elgar), de jolgorio y buen humor, y de todo lo británico. La obra de Clyne rinde homenaje a las raíces de los Proms, como ella misma explica:
Masquerade se inspira en los conciertos originales de mediados del siglo XVIII celebrados en los jardines de recreo de Londres. Al igual que hoy, estos conciertos eran un lugar en el que gente de toda condición se reunía para disfrutar de una amplia variedad musical. Otras formas de entretenimiento iban de lo sedado a lo salaz, con acrobacias, exóticos artistas callejeros, bailarines, fuegos artificiales y mascaradas. Me fascina el cortejo histórico y sociológico entre la música y la danza. Combinadas con disfraces, máscaras y elaborados decorados, las mascaradas creaban una emocionante, aunque controlada, sensación de ocasión y celebración. Esto es lo que quiero evocar en Masquerade ....Es un honor componer música para la Última Noche de los Proms y dedico Masquerade a los Prommers.
La pieza de Clyne utiliza dos temas principales. El primero, introducido por cuerdas arremolinadas, implica una progresión de acordes arrolladora que sugiere la entrada en un mundo mítico y fantástico. El segundo, que entra hacia la mitad, es una pequeña melodía de baile que Clyne basó en la antigua canción inglesa para beber "Juice of the Barley". Como en la mayoría de estas baladas, las estrofas son interminables y cambiantes, pero muchas versiones parecen incluir el estribillo apropiadamente desafiante de Last Night:
No puedo ir a casa, ni no iré a casa,
Es 'long of the oyle of Barly,
Me quedaré toda la noche para mi deleite,
Y volveré a casa por la mañana temprano.
Sergei Prokofiev (1891-1953)
Sinfonía nº 5 en si bemol mayor, Op. 100
Compuesto: 1944
Instrumentación: 2 flautas más flautín, 2 oboes más corno inglés, 2 clarinetes más clarinete en mi bemol y clarinete bajo, 2 fagotes más contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 5 percusiones (caja, bombo, platillos crash, platillo suspendido, caja de madera, tam-tam, triángulo, pandereta), arpa, piano y cuerdas.
Durante los terribles conflictos mundiales del sigloXX, muchos compositores en activo evitaron las obras a gran escala por múltiples razones. Desde el punto de vista práctico, resultaba extremadamente difícil organizar representaciones sinfónicas en tiempos de agitación debido a la falta de músicos, salas y fondos. A menudo, las propias vidas de los compositores se veían alteradas al verse obligados a trasladarse (o ser ellos mismos encarcelados), aislados de los sistemas de apoyo habituales u obligados a participar en el esfuerzo bélico mediante el servicio militar o contribuciones musicales patrióticas. Por último, los compositores que tuvieron tiempo y ganas de crear nuevas obras durante esos momentos históricos parecían inclinarse por reflexiones más íntimas y personales, reservando sus grandes declaraciones para obras retrospectivas de posguerra.
Hay notables excepciones a esta generalización. La Sinfonía nº 7 de Shostakovich ("Leningrado") fue probablemente concebida en su mayor parte antes de la entrada de la Unión Soviética en la Segunda Guerra Mundial, pero su Sinfonía nº 8 fue compuesta durante el conflicto (y censurada por el gobierno poco después). Stravinsky compuso la Sinfonía en tres movimientos tras su llegada a Estados Unidos a principios de los años 40, como respuesta directa a la violencia que asolaba el mundo en aquella época.
Cuando los nazis invadieron Rusia por sorpresa, en junio de 1941, Prokofiev era un tesoro nacional en la Unión Soviética. Había abandonado Rusia tras la revolución de 1917, pero regresó en 1936 con promesas de privilegios y libertades (que sólo se cumplieron parcialmente). Poco después del ataque de 1941, Prokofiev fue evacuado -junto con otros artistas importantes- de Moscú por su seguridad. Pasó los años siguientes trasladándose de un lugar a otro del Cáucaso y los Urales, en lo que hoy es Rusia, Georgia y Kazajstán.
A pesar de este caótico periodo de incertidumbre, Prokófiev fue sorprendentemente prolífico durante los años de guerra. Sus esfuerzos se centraron principalmente en la música de cámara y en obras propagandísticas del patriotismo soviético (estas últimas obras han caído en el olvido). Sin embargo, su Sinfonía nº 5 representa otra excepción en términos tanto de su propia producción de la época como de las tendencias musicales generales de los tiempos de guerra. La obra fue escrita a un ritmo vertiginoso durante un solo mes, en julio de 1944. Para entonces, la guerra se había decantado claramente del lado de los Aliados. A principios de año, los soviéticos habían roto por fin el asedio alemán de Leningrado, que había durado dos años y medio, un bloqueo desastroso que había costado casi dos millones de vidas. El desembarco del Día D en junio y la subsiguiente invasión se coordinaron con una serie de masivas ofensivas soviéticas en el frente oriental en junio y julio de 1944, sellando el destino de los nazis.
Sólo tres días después del Día D, Prokofiev había llegado al retiro de verano de la Unión de Compositores Soviéticos, a un día de viaje a las afueras de Moscú, unas rústicas tierras de labranza a las que Prokofiev se refería cariñosamente como la "Granja Estatal de Pollos". La estancia de 3 meses en compañía de grandes artistas soviéticos (entre ellos Shostakovich y Kabalevsky) fue rejuvenecedora, Prokofiev señaló: "Nuestra habitación es grande y tranquila y nos alimentan de maravilla. Lo mejor de todo es el bosque, con sus hojas jóvenes y frescas, su profusión de flores y su aroma a agujas de pino". Pasaban los días socializando y compartiendo ideas, jugando al voleibol (Prokofiev era terrible), al ajedrez (Prokofiev era bastante bueno) y componiendo.
Prokofiev había terminado su Sinfonía n.º 4 en 1930, y los catorce años transcurridos parecían pesarle mientras se esforzaba por crear una obra con la extensión y profundidad adecuadas. Escribió entonces:
Considero la Quinta Sinfonía como la culminación de un largo periodo de mi vida creativa. La concebí como una glorificación de la grandeza del espíritu humano... una alabanza al hombre libre y feliz: su fuerza, su generosidad y la pureza de su alma.
El progreso de la obra fue extraordinariamente rápido. A finales de julio, había tocado el primer movimiento (al piano) para Kabalevsky, que quedó profundamente impresionado, describiéndolo como "humano". Antes de abandonar el retiro en agosto, pudo tocar la sinfonía completa para un grupo más numeroso de colegas (interpretada en su "pequeña cabaña de campesino"). Kabalevsky informó: "La sinfonía nos causó a todos una excelente impresión y le felicitamos de todo corazón. Él estaba muy satisfecho, pues siempre (y con razón) consideró la Quinta Sinfonía una de sus mejores composiciones."
El movimiento de apertura, en forma de sonata, es brillante y decidido, como si las nubes rompieran tras una larga tormenta. El material temático es tan característico y está sometido a constantes repeticiones y variaciones que su rastreo puede ayudar al oyente a apreciar el arte de Prokofiev. Los dos temas iniciales están estrechamente relacionados: ambos se esfuerzan hacia arriba antes de volver a flotar suavemente hacia abajo (Temas 1A y 1B). Prokofiev los presenta por separado, pero rápidamente empieza a utilizarlos en tándem. La melodía lírica y sostenida en Fa mayor (Tema 2), interpretada por primera vez por la flauta y el oboe, sigue rápidamente los pasos de este material inicial. Tras un breve pasaje de ritmos punteados ascendentes (Tema 3), la música pasa a una sección (el material de cierre de la exposición, Tema 4) que presenta rápidassemicorcheas en staccato (a menudo martilleando sobre el mismo tono) sobre un pedal de bajo grave. La sección de desarrollo crea un collage sonoro de todos los temas, que acaban funcionando extraordinariamente bien juntos. Tras una recapitulación inusualmente estricta, Prokofiev cierra el movimiento con una emocionante deconstrucción del Tema 1A y su reconstrucción con una textura orquestal que se va engrosando gradualmente.
El segundo movimiento hace las veces de scherzo de la sinfonía. Unas corcheas en staccato que oscilan continuamente impregnan la textura a lo largo de la sección A, acompañando a una melodía tonalmente resbaladiza que parece bailar constantemente hacia un lugar diferente. El resultado es alegre y humorístico, pero también desconcertante, rozando lo amenazador con la entrada de la línea de percusión marcial. La sección intermedia está enmarcada por un gesto de las maderas que recuerda a la apertura con flauta del Preludio a la tarde de un fauno de Debussy (aquí sin el sinuoso misterio), pero el corazón de la sección presenta una de las melodías de viola más deliciosas de la literatura sinfónica. El retorno del material inicial enfatiza el lado más amenazador de su carácter, terminando con implacables y enfáticas repeticiones de acordes.
Lejos de ser un respiro pacífico, el movimiento Adagio es inquietante y desasosegante. Prokofiev convierte el tema inicial -que podría haberse convertido en la base de una meditación lírica- en una súplica angustiada cuando las cuerdas pasan a su tesitura superior en una mezcla polirrítmica que cae en cascada hacia una profunda ensoñación. La quietud que sigue se siente como un vacío que no puede llenarse. En la sección central surge un motivo rítmico punteado que crea la sensación de una marcha fúnebre, aunque su triple métrica lo desmienta. El desasosiego emocional de este movimiento es crudo, y Prokofiev permite que el movimiento exprese su dolor con libertad y amplitud, terminando con una nota de optimismo con una sublime línea ascendente de clarinete.
El efecto global del enérgico Allegro giocoso desvanece el sombrío ambiente del Adagio, recuperando los aspectos más lúdicos del segundo movimiento al entrelazar elementos temáticos del Andante inicial: un final perfecto. La introducción lenta retoma el tema principal en un rico arreglo para violonchelos dividido en cuatro partes. A continuación, aparece el tema principal en el clarinete y las cuerdas se apoderan de él con entusiasmo. Prokofiev continúa con una increíble variedad de temas y motivos complementarios que hacen avanzar el movimiento con buen humor (y en forma de rondó suelto). El movimiento llega a una frenética sección final que evoca una especie de caos mecanizado repetitivo -aquí, más para deleitar que para amenazar- que se resuelve con un subconjunto de cámara extrañamente disonante que nos conduce a un estruendo triunfal final.
Notas de programa escrito por Jon Kochavi