Agnegram
Michael Tilson Thomas (n. 1944)
Compuesto: 1998, rev. 2016
Duración: c. 7 minutos
Instrumentación: 2 flautas y flautín, 2 oboes y corno inglés, 2 clarinetes y clarinete bajo, 2 fagotes y contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 4 percusión (triángulo, platillos, platillo suspendido, sombrero alto, yunque, tambor de freno, cencerro, látigo, bloques de madera, carraca, pandereta, caja, tambor lateral, rugido de león, bombo, crótalos, carillones, glockenspiel, xilófono, vibráfono, flexatón, cencerros), arpa, piano y cuerdas.
Michael Tilson Thomas es conocido sobre todo como director de orquesta, director musical durante muchos años de la Sinfónica de San Francisco (1995-2020) y fundador y director artístico de la New World Symphony (1987-2022). También ha encontrado tiempo para componer, una de sus grandes pasiones. Años antes de que hiciera pública su labor compositiva, su mentor Leonard Bernstein le dijo a Thomas: "Tienes que desarrollar la compulsión de compartir tu música y entonces harás algo al respecto. Cuando estés preparado, lo estarás". A finales de los ochenta ya lo estaba, y desde entonces no ha dejado de publicar obras.
Agnegram fue escrito para Agnes Albert, miembro de la Junta de la Sinfónica de San Francisco desde hacía mucho tiempo, en honor de su 90 cumpleaños en 1998. La Sra. Albert era una mecenas generosa y una pianista consumada que actuó como solista con la orquesta en sus primeros años. Thomas explicó más tarde: "Quería una pieza que la representara tal y como era: ingeniosa, encantadora, vivaz y llena de humor". Construyó el material central y los temas de la pieza a partir de una traducción musical del nombre de la Sra. Albert: AGNES = A-G-E-E♭, ALBERT = A-A-B♭-E-D-B. Aquí, la N se omite, la S y la B se interpretan a través de sus nombres de nota en alemán, y la L, la R y la T reciben las interpretaciones de solfeo(la, re y ti respectivamente). Se puede escuchar la interpretación literal de las notas en la primera línea del piano, apoyado por los vientos. La pieza es una fanfarria exuberante y vívida, con pequeños guiños a algunas de las favoritas de la Sra. Albert (nanas irlandesas, Schumann, Chaikovski, Verdi y Jerry Lee Lewis).
Concierto en si bemol mayor para fagot, K. 191
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Compuesto: 1774
Duración: 20 minutos
Instrumentación: Fagot solista, 2 oboes, 2 trompas y cuerdas
Cuando Mozart terminó su Concierto para fagot en Salzburgo, en junio de 1774, era aún un adolescente. De hecho, el K. 191 es uno de los primeros conciertos de Mozart para cualquier instrumento. Aunque Mozart probablemente completó cinco conciertos para fagot durante los primeros años de su carrera, el K. 191 es el único que se conserva. Los orígenes del Concierto para fagot siguen siendo un misterio, pero se cree que fue escrito para un intérprete de Salzburgo y, dada la naturaleza de la parte solista, el destinatario debía de ser una persona de gran talento. Mozart explota magistralmente la idiosincrasia del instrumento en este concierto. El uso liberal de la articulación en staccato, los pasajes rápidos y los grandes saltos melódicos hablan del humor bonachón característico del instrumento, pero Mozart también era muy consciente del particular lirismo del fagot; es esta sensibilidad la que ha asegurado el lugar del concierto en el repertorio. Por difícil que resulte tocarla con los instrumentos actuales, la parte solista era aún más complicada en la época de Mozart, cuando el fagot clásico, más limitado, requería delicadas digitaciones cruzadas.
Lo que hay que escuchar
- Primer movimiento: Preste especial atención a los elementos virtuosos del fagot, incluidas las largas carreras de 16 notas y los enormes saltos melódicos que superan las dos octavas y media en algunos pasajes.
- Segundo movimiento: Los papeles de melodía/acompañamiento de las cuerdas en la apertura se enriquecen cuando entra el fagot con su repetición de la serena melodía cantabile (es decir, en un estilo suave y cantarín).
- Tercer movimiento: Las reacciones en Internet a este movimiento se maravillan del "destrozo enfermizo" del fagot. Es una descripción acertada.
La Mer
Claude Debussy (1862-1918)
Compuesto: 1903-1905
Duración: unos 25 minutos
Instrumentación: 2 flautas y flautín, 2 oboes y corno inglés, 2 clarinetes, 3 fagotes y contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas y 2 cornetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (triángulo, platillos, glockenspiel, tam-tam, bombo), 2 arpas y cuerdas
Debussy fue un enamorado del mar durante toda su vida. Continuamente acudía a él en busca de paz y perspectiva, solaz e inspiración. Su visión idealizada del mar evocaba asombro y respeto por lo que consideraba el epítome de la naturaleza virgen. En el verano de 1906, poco después de terminar La Mer, Debussy escribió desde el paseo marítimo de Normandía:
Aquí estoy de nuevo con mi viejo amigo el mar, siempre innumerable y hermoso. Es realmente lo único de la naturaleza que te pone en tu sitio; no se respeta lo suficiente al mar. Sumergir en él cuerpos humanos deformados por la vida cotidiana no debería estar permitido: esos brazos y piernas que se mueven a ritmos ridículos, basta para hacer llorar a los peces.
Las representaciones que Debussy hace del agua y el mar, sobre todo en La Mer, pero también en otras obras como sus Sirènes de Nuages, sus Jeux d'eau y su ópera Pelléas et Mélisande, captan no sólo los aspectos físicos de las aguas, sino las sensaciones que les atribuye, que consideraba intrínsecamente musicales. Debussy escribió en una ocasión: "La música expresa el movimiento de las aguas, el juego de curvas descrito por las brisas cambiantes". Si los pintores impresionistas se sentían atraídos por el mar por sus cualidades reflectantes y los juegos que hacía con la luz y el color, Debussy veía en él un reflejo de toda la gama de emociones humanas. La imaginativa representación del mar de Debussy pasó desapercibida para el público inicial de La Mer, que tal vez esperaba una representación más programática del mar. Aunque el fracaso crítico y popular del estreno en 1905 fue una amarga decepción para Debussy, en 1908 la reacción a la obra había dado un giro de 180 grados. La Mer se convertiría en una de las obras más interpretadas del siglo XX.
Lo que hay que escuchar
- En el primer movimiento, los patrones repetitivos del fondo evocan los ritmos del mar, mientras que los temas del primer plano reflejan sus múltiples estados: tranquilo, cinético, enérgico, furioso y majestuoso.
- Escuche con atención la entrada del seductor tema en el corno inglés a los dos minutos del movimiento central, retomado inmediatamente por el corno francés.
- El segundo tema del último movimiento llega a través de los vientos: una melodía de dolorosa belleza que se eleva lentamente antes de caer con rapidez, trabajando con el resto de la orquesta para describir una danza colaborativa de viento y olas.
Notas de programa escrito por Jon Kochavi