Ralph Vaughan Williams (1872-1958)
Quinteto Phantasy para dos violines, dos violas y violonchelo
Compuesto: 1912
Instrumentación: 2 violines, 2 violas y violonchelo
Durante la elaboración del Himnario Inglés, Vaughan Williams comenzó a buscar canciones populares inglesas hacia 1903 y en siete años había recopilado casi 800 melodías. Este trabajo influyó profundamente en la dirección que tomaría su composición. Aunque sus obras no suelen citar directamente estas melodías, Vaughan Williams absorbió tanto el estilo que fue capaz de impregnar su música con este lenguaje y hacerlo suyo, como en su Quinteto Phantasy, encargado por el empresario y músico aficionado W.W. Cobbett.
El primer movimiento es una especie de introducción lenta. La primera viola y el primer violín ofrecen imágenes especulares de una conmovedora melodía pentatónica. El resto del conjunto les permite sus líneas solistas introspectivas, pero también les proporciona un suave colchón de cálidas armonías sobre el que aterrizar a medida que avanzan.
En el ágil Scherzo, el material melódico se reparte más uniformemente entre el conjunto. El inusual compás de 7 tiempos se divide regularmente en un patrón de 4+3 mediante un patrón rítmico casi omnipresente en 8 notas: 1-2-3-4, 1-2-y-3, donde las cuatro primeras y las cuatro últimas notas coinciden exactamente. Cada vez que este ostinato se rompe (brevemente), señala un cambio, ya sea una división seccional o un cambio tonal (o ambos). La escala aquí es modal, pero hay restos del pentatonicismo del primer movimiento.
El violonchelo solista al final del Scherzo da tiempo a los demás intérpretes a colocar sus sordinas para el apacible tercer movimiento (durante el cual se concede un descanso al violonchelista). En un lento tres que recuerda a la forma de sarabanda que le da nombre, el movimiento se compone de cuatro largas y conmovedoras líneas melódicas llevadas por el primer violín, con algo de ayuda de la primera viola. La música evoca aquí un sentimiento que podría describirse como una combinación de danza barroca y balada inglesa, en forma de canción A-A-B-A.
El violonchelista vuelve para introducir el tema principal del final Burlesca, una ingeniosa serie de gestos distanciados que Vaughan Williams trata -sorprendentemente- como una especie de melodía de passacaglia, un ostinato sobre el que el conjunto encuentra inspiración para vuelos de fantasía. (El acertado término burlesca connota una parodia cómica de una obra más seria.) El tema se tocará finalmente a doble tiempo creando una sensación totalmente diferente. Una sección contrastante evoca una danza campestre festiva y el retorno tambaleante y sostenido del tema principal sugiere que la celebración quizás se ha ido de las manos. Vaughan Williams nos sorprende una última vez con un retorno al material del Preludio, atrayendo nuestros oídos a las conexiones melódicas entre estos movimientos.
Erwin Schulhoff (1894-1942)
Concertino para flauta, viola y bajo
Compuesto: 1925
Instrumentación: Flauta, viola y bajo
Erwin Schulhoff nació en Praga en el seno de una familia de músicos. Un temprano contacto con Dvořák inició sus estudios musicales, que le llevaron a Viena cuando sólo tenía 12 años. Tras combatir en el ejército austriaco durante cuatro años en la Primera Guerra Mundial, Schulhoff se trasladó a Alemania, donde se sumergió en las tendencias musicales de la época. Pero fue su regreso a Praga y a la música de Bohemia a mediados de la década de 1920 lo que definiría su estilo compositivo, representado en el trío que escuchamos esta noche. En 1924, Schulhoff asistió a la Semana del Festival del Agricultor Eslavo en Brno, Checoslovaquia, donde escuchó una gran variedad de música folclórica. Más tarde escribiría sobre la experiencia: "sonidos tan fantásticos me crearon el mayor estímulo y me llevaron a componer mi concertino". Escribió la obra en sólo 4 días y el estreno, al año siguiente, contó con Paul Hindemith a la viola. Por desgracia, la agitación política en Europa pronto le atraparía en sus redes: como judío comunista que vivía en tierras checas, la vida de Schulhoff se truncó en 1942 tras caer enfermo en un campo de concentración.
El primer movimiento se parece mucho al quinteto de Vaughan Williams que acabamos de interpretar. Al igual que Vaughan Williams, Schulhoff hace uso de largos pasajes de ostinato sobre los que el resto del conjunto tiene rienda suelta. En este caso, el ostinato evoca un patrón ondulatorio que recorre una escala pentatónica de sonido oriental, como en el quinteto. El material que interviene aquí, sin embargo, es decididamente más escarpado que en el quinteto, con rápidos cambios de humor.
Un sabor rústico brilla en el enérgico movimiento Furiant (que requiere el alegre flautín en lugar de la flauta). El furiant es una danza popular checa muy rápida que alterna tradicionalmente compases de 2 y 3 tiempos. A menudo, los compositores clásicos adaptan la danza a un compás triple estricto, pero Schulhoff conserva el sabor del original presentando todo el movimiento en compases de 5 tiempos, a veces interpretados como 2+3 y otras como 3+2. El resultado es emocionante e imprevisible. El resultado es emocionante e imprevisible, con un ímpetu arrollador.
El Andante es un alarde contrapuntístico cuidadosamente elaborado. La melodía principal, muy cromática e inquietante (primero en la flauta), dura 8 compases y el movimiento consta de un total de nueve repeticiones de esta melodía, no muy diferente de la flexible passacaglia del final de Vaughan Williams. La melodía se pasa entre los intérpretes (flauta-bajo-viola-flauta-bajo-flauta-viola-bajo-flauta), con la entrada final del bajo llegando "demasiado pronto" y solapándose así con la línea de viola en curso. Las contramelodías, muy integradas en los instrumentos de acompañamiento, enmascaran las repeticiones melódicas.
Al igual que Vaughan Williams, Schulhoff termina su pieza con una alegre danza campestre. El flautín vuelve aquí, y en la sección central interpreta el papel de un mercader de flautas moravas en las calles de Praga.
Johannes Brahms (1833-1897)
Trío en la menor para clarinete, violonchelo y piano, Op. 114
Compuesto: 1891
Instrumentación: Clarinete, violonchelo y piano
Brahms compuso su trío para clarinete y su quinteto para clarinete durante el verano de 1891 y organizó su interpretación con el clarinetista Richard Mühlfeld, a quien admiraba profundamente, en Meiningen a finales de noviembre. Durante ese verano, Brahms intercambió varias cartas con su amiga de toda la vida Clara Schumann, que por entonces tenía más de setenta años, intentando convencerla para que asistiera a los estrenos ese mismo año:
Nunca se ha oído a un clarinetista como el que tienen allí en Mühlfeld. Es absolutamente el mejor que conozco... por eso estoy deseando ir a Meiningen.... Escuchar al clarinetista sería un día memorable en tu vida, una profunda alegría. Te deleitarías, y espero que mi música no interfiera en tu disfrute.
Aunque Clara no estuvo presente debido a una enfermedad, las primeras representaciones tuvieron lugar como estaba previsto, y el trío fue acogido calurosamente en Meiningen y en Berlín. El propio Brahms se deleitó en la composición de la obra, utilizando toda la gama del clarinete y optando por escribir para un clarinete La (como Mozart en su quinteto tardío) que le pareció que tenía un sonido más oscuro y rico que la versión Si bemol del instrumento. Formalmente, la obra está muy bien construida, demostrando un uso magistralmente compacto del material temático.
El tema inicial del movimiento de apertura marca el tono de la obra con una conmovedora melodía de violonchelo que se eleva con un arpegio y luego desciende lentamente. El otro tema principal del movimiento, también introducido por el violonchelo, invierte el contorno, comenzando con un arpegio descendente. Las hipnóticas escalas ascendentes y descendentes en pianissimo del violonchelo y el clarinete de la sección de desarrollo vuelven en la coda, terminando la pieza en la inesperada tonalidad de La mayor.
El Adagio en Re mayor contrasta con la apasionada inmediatez del prototípico movimiento lento romántico. La profundidad emocional de este movimiento libremente construido no procede del Sturm und Drang, sino de una inspirada sensación de tranquilidad proyectada a través de tiernos diálogos entre los tres instrumentos.
El tercer movimiento, en La mayor, es un suave vals que combina las formas de rondó y scherzo, con cinco secciones de duración variable. El tema principal, presentado por primera vez por el clarinete, vuelve en las secciones tercera y quinta, mientras que la segunda sección fragmenta ese tema, ahora en menor, y la cuarta se basa en una melodía folclórica relacionada en corcheas continuas.
La vitalidad rítmica del movimiento final surge de una mezcla dinámica de compases de 2/4 y 6/8 que organizan las corcheas en grupos de dos y tres respectivamente. El kinetismo del exuberante tema saltarín que abre la obra contrasta con un expresivo segundo tema en mi menor. Brahms opta por renunciar al desarrollo en favor de una recapitulación ampliada del primer tema, que conduce finalmente a una coda culminante que se basa en elementos de ambos temas.
Maurice Ravel (1875-1937)
Introducción y Allegro para arpa, flauta, clarinete y cuarteto de cuerda
Compuesto: 1905
Instrumentación: Arpa, flauta, clarinete, 2 violines, viola y violonchelo
En 1905, Ravel intenta por última vez ganar el prestigioso concurso de composición Prix de Rome. Sus cuatro intentos anteriores habían fracasado, y el límite de edad para el ganador era de 30 años. Su quinta obra ni siquiera superó la ronda preliminar, lo que provocó una acalorada protesta pública en París, donde Ravel ya era uno de los compositores más destacados de su generación. Las acusaciones de corrupción y favoritismo no eran injustificadas y provocaron un escándalo en el Conservatorio de París que se saldó con la dimisión de varios profesores, incluido el director (que fue sustituido por Gabriel Fauré, amigo íntimo de Ravel).
Ravel compuso su Introducción y Allegro durante este periodo de agitación, pero la obra muestra pocos indicios de lucha o frustración (el erudito Mark DeVoto señala su "pura amabilidad y relajada sensualidad"). La obra fue encargada por la compañía de arpas Erard, que se encontraba en una acalorada batalla contra Pleyel, que el año anterior había encargado a Debussy que escribiera para su arpa cromática, finalmente condenada al fracaso. Fue el primer encargo importante de Ravel, que respondió con lo que es esencialmente un concierto para arpa de un solo movimiento, en forma de música de cámara.
El título de la obra es algo engañoso, ya que las dos secciones de la pieza se funden a la perfección en un todo. La exuberante Introducción presenta inmediatamente dos temas, el primero de los vientos y el segundo de las cuerdas, que ocuparán un lugar destacado a lo largo de la obra. El segundo de ellos se modifica para convertirse en el tema principal del Allegro, brillantemente introducido por el arpa. El primero, disfrazado mediante la compresión de los intervalos melódicos, se convierte en el segundo tema del Allegro, que se escucha inicialmente en los vientos (lo que ayuda a conectarlo con la Introducción). Ravel también recupera las melodías de la Introducción en sus formas originales, creando un tapiz de ideas relacionadas. El movimiento se desarrolla en forma sonata, con una melancólica cadencia de arpa entre el desarrollo y la recapitulación abreviada.
Notas de programa escrito por Jon Kochavi