Música de cámara de la elección de los músicos

Lunes, Agosto 19, 2019 , 6:30 PM

Vaughan Williams: Phantasy Quintet for Two Violins, Two Violas, and Cello

Schulhoff: Concertino for Flute, Viola, and Bass

Brahms: Trio for Clarinet, Cello, and Piano in A Minor, Op. 114

Ravel: Introduction and Allegro for Harp, Flute, Clarinet, and String Quartet

Ralph Vaughan Williams (1872-1958)

Quinteto Fantasía para dos violines, dos violas y violonchelo

Compuesto: 1912
Instrumentación: 2 violines, 2 violas y violonchelo

Al trabajar en la elaboración de The English Hymnal, Vaughan Williams comenzó a buscar canciones populares inglesas alrededor de 1903 y en siete años había recopilado casi 800 melodías. Este trabajo influyó profundamente en la dirección que tomaría su composición. Aunque sus obras no suelen citar directamente estas melodías, Vaughan Williams absorbió tanto el estilo que fue capaz de infundir su música con este lenguaje y hacerla suya, lo que es muy cierto en su Phantasy Quintet, encargado por el empresario y músico aficionado W.W. Cobbett.

El primer movimiento es una especie de introducción lenta. La primera viola y el primer violín ofrecen imágenes especulares de una conmovedora melodía pentatónica. El resto del conjunto les permite sus líneas solistas introspectivas, pero también les proporciona un suave colchón de cálidas armonías sobre las que aterrizar a medida que avanzan.

En el ágil Scherzo, el material melódico se reparte más uniformemente entre el conjunto. El inusual compás de 7 tiempos se divide regularmente en un patrón de 4+3 mediante un patrón rítmico casi omnipresente en 8 notas: 1-2-3-4, 1-2-y-3, donde las cuatro primeras y las cuatro últimas notas coinciden exactamente. Cada vez que este ostinato se rompe (brevemente), señala un cambio, ya sea una división seccional o un cambio tonal (o ambos). La escala aquí es modal, pero los restos del pentatonismo del primer movimiento están presentes en todo el movimiento.

El violonchelo solista del final del Scherzo da tiempo a los demás intérpretes a poner sus sordinas para el tranquilo tercer movimiento (durante el cual se concede un descanso al violonchelista). En un tres lento que recuerda a la forma de sarabanda que le da nombre, el movimiento se compone de cuatro largas y conmovedoras líneas melódicas llevadas por el primer violín, con alguna ayuda de la primera viola. La música evoca aquí una sensación que podría describirse como una combinación de danza barroca y balada inglesa, en forma de canción A-A-B-A.

El violonchelista vuelve a introducir el tema principal del final de la Burlesca, una ingeniosa serie de gestos distanciados que Vaughan Williams trata -sorprendentemente- como una especie de melodía de pasacalle, un ostinato sobre el que el conjunto encuentra inspiración para sus vuelos de fantasía. (El acertado término burlesca connota una parodia cómica de una obra más seria.) El tema se tocará finalmente en doble tiempo creando una sensación totalmente diferente. Una sección contrastante evoca una danza campestre festiva y el retorno tambaleante y sostenido del tema principal sugiere que la celebración quizás se ha ido de las manos. Vaughan Williams nos sorprende por última vez con un retorno al material del Preludio, atrayendo nuestros oídos a las conexiones melódicas entre estos movimientos.

 

Erwin Schulhoff (1894-1942)

Concertino para flauta, viola y bajo

Compuesto: 1925
Instrumentación: Flauta, viola y bajo

Erwin Schulhoff nació en una familia de músicos de Praga. El contacto temprano con Dvořák le permitió iniciar sus estudios musicales, que le llevaron a Viena cuando sólo tenía 12 años. Tras luchar en el ejército austriaco durante cuatro años en la Primera Guerra Mundial, Schulhoff se trasladó a Alemania, donde se sumergió en las tendencias musicales de la época. Pero fue su regreso a Praga y a la música de Bohemia a mediados de los años 20 lo que definiría su estilo compositivo representado en el trío que escuchamos esta noche. En 1924, Schulhoff asistió a la Semana del Festival del Agricultor Eslavo en Brno, Checoslovaquia, donde escuchó una gran variedad de música folclórica. Más tarde escribiría sobre la experiencia: "esos sonidos fantásticos me crearon el mayor estímulo y me llevaron a componer mi concertino". Escribió la obra en sólo 4 días y el estreno, al año siguiente, incluyó a Paul Hindemith en la viola. Lamentablemente, la agitación política en Europa no tardaría en atraparle en su red: como comunista judío que vivía en tierras checas, la vida de Schulhoff se vio truncada en 1942 tras caer enfermo en un campo de concentración.

El primer movimiento se parece mucho al quinteto de Vaughan Williams que acabamos de interpretar. Al igual que Vaughan Williams, Schulhoff hace uso de largos pasajes de ostinato sobre los que se da rienda suelta al resto del conjunto. El ostinato evoca aquí un patrón ondulatorio que recorre una escala pentatónica de sonido oriental, como en el quinteto. Sin embargo, el material que interviene aquí es decididamente más escarpado que en el quinteto, con estados de ánimo que cambian rápidamente.

Un sabor rústico brilla a través del enérgico movimiento Furiant (que requiere el alegre piccolo en lugar de la flauta). El furiant es una danza popular checa muy rápida que tradicionalmente alterna compases de 2 y 3 tiempos. A menudo, los compositores clásicos adaptan la danza a un tiempo triple estricto, pero Schulhoff conserva el sabor del original al presentar todo el movimiento en compases de 5 tiempos, a veces interpretados como 2+3 y otras veces como 3+2. El resultado es excitante e imprevisible, con un gran impulso.

El Andante es una muestra contrapuntística cuidadosamente elaborada. La melodía principal, altamente cromática e inquietante (primero en la flauta), dura 8 compases y el movimiento consiste en un total de nueve repeticiones de esta melodía, no muy diferente de la flexible passacaglia del final de Vaughan Williams. La melodía pasa entre los intérpretes (flauta-bajo-viola-flauta-bajo-flauta-viola-bajo-flauta), con la entrada final del bajo llegando "demasiado pronto" y solapándose así con la línea de viola en curso. Las contramelodías muy integradas en los instrumentos de acompañamiento en realidad enmascaran las repeticiones melódicas aquí.

Al igual que Vaughan Williams, Schulhoff termina su pieza con una animada danza campestre. El flautín vuelve aquí, y en la sección central desempeña el papel de un comerciante de flautas moravas en las calles de Praga.

 

Johannes Brahms (1833-1897)

Trío en la menor para clarinete, violonchelo y piano, Op. 114

Compuesto: 1891
Instrumentación: Clarinete, violonchelo y piano

Brahms compuso su trío de clarinetes y su quinteto de clarinetes durante el verano de 1891 y organizó su interpretación con el clarinetista Richard Mühlfeld, al que admiraba profundamente, en Meiningen a finales de noviembre. Durante ese verano, Brahms intercambió varias cartas con su vieja amiga Clara Schumann, que por entonces tenía más de setenta años, intentando convencerla de que asistiera a los estrenos de ese año:

Nunca se ha escuchado un clarinetista como el que tienen allí en Mühlfeld. Es absolutamente el mejor que conozco... por eso estoy deseando ir a Meiningen.... Escuchar al clarinetista sería un día de fiesta en tu vida, una profunda alegría. Te deleitarías, y espero que mi música no interfiera en tu disfrute.

Aunque Clara no estuvo presente debido a una enfermedad, las primeras representaciones tuvieron lugar como estaba previsto, y el trío fue muy bien recibido en Meiningen y en Berlín. El propio Brahms se deleitó en la composición de la obra, utilizando toda la gama del clarinete y optando por escribir para un clarinete en La (como Mozart en su último quinteto) que le pareció que tenía un sonido más oscuro y rico que la versión en Si bemol del instrumento. Formalmente, la obra está muy bien construida, demostrando un uso magistralmente compacto del material temático.

El tema inicial del movimiento de apertura establece el tono de la obra con una conmovedora melodía de violonchelo que se eleva con un arpegio y luego desciende lentamente. El otro tema principal del movimiento, también introducido por el violonchelo, invierte el contorno, comenzando con un arpegio descendente. Las hipnóticas escalas ascendentes y descendentes de la sección de desarrollo en el violonchelo y el clarinete regresan en la coda, terminando la pieza en la inesperada tonalidad de La mayor.

El Adagio en re mayor contrasta con la apasionada inmediatez del movimiento lento prototípico del romanticismo. La profundidad emocional de este movimiento libremente construido no proviene del Sturm und Drang, sino de una inspirada sensación de tranquilidad proyectada a través de tiernos diálogos entre los tres instrumentos.

El tercer movimiento en La mayor es un suave vals que combina la forma de un rondó y un scherzo con cinco secciones de duración variable. El tema principal, presentado por primera vez por el clarinete, regresa en las secciones tercera y quinta, mientras que la segunda sección fragmenta ese tema, ahora en menor, y la cuarta se basa en una melodía relacionada, de tipo folclórico, en corcheas continuas.

La vitalidad rítmica del último movimiento surge de una mezcla dinámica de metros de 2/4 y 6/8 que organizan las corcheas en grupos de dos y tres respectivamente. El kinetismo del exuberante tema saltarín que abre la obra se contrasta con un expresivo segundo tema en mi menor. Brahms opta por renunciar al desarrollo en favor de una recapitulación ampliada del primer tema, que finalmente conduce a una coda climática que se basa en elementos de ambos temas.

 

Maurice Ravel (1875-1937)

Introducción y Allegro para arpa, flauta, clarinete y cuarteto de cuerda

Compuesto: 1905
Instrumentación: Arpa, flauta, clarinete, 2 violines, viola y violonchelo

En 1905, Ravel intenta por última vez ganar el prestigioso concurso de composición, el Prix de Rome. Sus cuatro intentos anteriores habían fracasado, y el límite de edad para el ganador era de 30 años. Su quinta obra ni siquiera superó la ronda preliminar, lo que provocó una acalorada protesta pública en París, donde ya estaba consolidado como uno de los principales compositores de su generación. Las acusaciones de corrupción y favoritismo no eran injustificadas y provocaron un escándalo en el Conservatorio de París que se saldó con la dimisión de varios profesores, incluido el director (que fue sustituido por Gabriel Fauré, amigo íntimo de Ravel).

Ravel compuso su Introducción y Allegro durante este periodo de agitación, pero la obra muestra pocos indicios de lucha o frustración (el académico Mark DeVoto señala su "pura amabilidad y relajada sensualidad"). La obra fue encargada por la compañía de arpas Erard, que se encontraba en una acalorada batalla contra Pleyel, que el año anterior había encargado a Debussy que escribiera para su finalmente condenada arpa cromática. Fue el primer encargo importante de Ravel y respondió con lo que es esencialmente un concierto para arpa de un solo movimiento, en forma de música de cámara.

El título de la pieza es algo engañoso, ya que las dos secciones de la pieza se funden perfectamente en un todo. La exuberante introducción presenta inmediatamente dos temas, el primero de los vientos y el segundo de las cuerdas, que ocuparán un lugar destacado a lo largo de la obra. El segundo de ellos se modifica para convertirse en el tema principal del Allegro, introducido brillantemente por el arpa. El primero, disfrazado mediante la compresión de los intervalos melódicos, se convierte en el segundo tema del Allegro, que se escucha inicialmente en los vientos (lo que ayuda a conectarlo con la Introducción). Ravel también recupera las melodías de la Introducción en sus formas originales, creando un tapiz de ideas relacionadas. El movimiento tiene una forma sonata, con una melancólica cadencia del arpa entre el desarrollo y la recapitulación abreviada.

 

Notas de programa escrito por Jon Kochavi