Música inspirada en el espacio exterior

Mason Bates (n. 1977)

Radio del Diablo

Encargo y estreno de la Sun Valley Summer Symphony

Compuesto: 2014
Instrumentación: 2 flautas más 2 flautines, 4 oboes (^{el 4º} dobla al corno inglés), 2 clarinetes más clarinete mi bemol y clarinete bajo, 3 fagotes más contrafagot, 6 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 4 percusión (caja piccolo, triángulo alto, castañuelas, campana de árbol, glockenspiel, crótalos, platillo splash, platillo ride, marimba, címbalo muy pequeño, bombo, sombrero alto, platillo suspendido, tam-tam grande, bloques de papel de lija, platillo swish, 6 bloques de madera, shaker pequeño), arpa, piano (celesta doble) y cuerdas.

Devil's Radio de Bates fue un encargo del Sun Valley Music Festival para celebrar su^30ª temporada en 2014, y desde entonces la obra se ha repetido en numerosas ocasiones por todo el país. La expresión "radio del diablo" saltó a la conciencia pública gracias a la canción de George Harrison de su álbum de 1987 Cloud Nine. El tema de rock de Harrison se inspiró en un cartel de una iglesia que veía cuando iba a dejar a su hijo al colegio y que decía: "Chismes: La radio del diablo... No seas locutor". La misma cita básica fue también el punto de partida de Bates, que llevó su creación musical en una dirección diferente, como escribió para el estreno:

"Rumor is the Devil's radio", reza una evocadora frase sureña, y desde que la oí, he fantaseado con una fanfarria con partes iguales de oscuridad y groove. Lo que empezó como un breve estudio de piano pronto superó sus límites, y la oportunidad de escribir para una gran orquesta en Sun Valley me pareció la ocasión perfecta para darle al Diablo su merecido.

A veces la música es fríamente propulsiva, como en la apertura, que utiliza una especie de chispeante "señuelo musical" en las maderas altas. Pero pronto se ve socavado por una línea de bajo blues y una percusión enérgica, para desembocar finalmente en una melodía altisonante que se describe mejor como vanagloriosa. De hecho, la obra tiene un amplio brillo para contrarrestar sus rincones oscuros, y de esta forma puede escucharse como una fanfarria que nuestro villano podría escribir para sí mismo, completa con grandiosas florituras y una contagiosa sección de swing. Pero esta ligereza se evapora rápidamente en los minutos finales de la obra, cuando los estruendosos golpes de los metales bajos sugieren una figura del tamaño de Goliat lanzando su peso. Se despide con un guiño y una inclinación de cabeza, como todo un caballero.

 

Mason Bates (n. 1977)

Pasaje

Compuesto: 2017
Instrumentación: Mezzosoprano solista, 3 flautas (^2ª y^3ª doblando piccolo), 2 oboes, 2 clarinetes más clarinete mi bemol, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusión (platillos de dedos, triángulo alto, glockenspiel, vibráfono, bombo, marimba, caja, 5 bloques de madera, clicks leñosos altos y bajos, platillo suspendido, 2 interruptores flexibles sobre madera, tam-tam grande, crótalos), electrónica, arpa, piano y cuerdas.

Bates ha sido compositor residente del Kennedy Center for the Performing Arts desde 2015, siendo el primer compositor nombrado para este puesto. Como parte de su residencia, Bates recibió el encargo de escribir una pieza para que la Orquesta Sinfónica Nacional la interpretara en conmemoración del centenario del nacimiento de John F. Kennedy en mayo de 2017. Tras buscar ideas sobre cómo celebrar el impacto que Kennedy tuvo en la nación, Bates se inspiró en la Luna.

El 12 de septiembre de 1962, Kennedy pronunció su famoso discurso "moonshot" ante un estadio de tejanos a rebosar en Houston. La idea de que Estados Unidos pudiera llevar a una persona a la Luna a finales de esa década era, como mínimo, audaz. John Glenn había realizado su famoso vuelo -el primer astronauta estadounidense en orbitar la Tierra- sólo 7 meses antes del discurso de Kennedy, y apenas 5 años antes la humanidad aún no había enviado ningún objeto de ningún tipo al espacio. Por aquel entonces, aún se dudaba de si los objetos sólidos se hundirían en los montones de polvo de la superficie lunar. La confianza de Kennedy al declarar su intención de dedicar importantes recursos a la consecución de este objetivo inspiró a la nación:

Todavía no hay luchas, prejuicios ni conflictos nacionales en el espacio exterior. Sus peligros nos son hostiles a todos. Su conquista merece lo mejor de toda la humanidad, y su oportunidad para la cooperación pacífica puede que nunca vuelva a presentarse. Pero, ¿por qué, dicen algunos, la Luna?...

Elegimos ir a la luna. Elegimos ir a la luna en esta década y hacer las otras cosas, no porque sean fáciles, sino porque son difíciles, porque ese objetivo servirá para organizar y medir lo mejor de nuestras energías y habilidades, porque ese reto es uno que estamos dispuestos a aceptar, uno que no estamos dispuestos a posponer....

El mes pasado celebramos el ^50º aniversario de la realización de la gran empresa de Kennedy con la misión Apolo 11.

Bates teje la narrativa de su obra utilizando el audio real del discurso de Kennedy en Houston y otros discursos que pronunció durante su presidencia, así como audio de archivo de la década de lucha hacia la Luna. Pero como forma de contextualizar la aspiración humana básica hacia la exploración, Bates también pone texto para mezzosoprano (específicamente pensando en Sasha Cooke, que también cantó el estreno) del poema de Walt Whitman "Pasaje a la India", de su icónico Hojas de hierba, poniendo a estos dos grandes visionarios americanos en diálogo entre sí. Bates explica su decisión de incluir a Whitman:

Para complementar su discurso, quería otra voz, una perspectiva más poética de la exploración estadounidense. He aquí a Walt Whitman.

De mis tiempos de estudiante de inglés, recordaba un poema místico titulado "Pasaje a la India". Lo que empieza como una oda al barco de vapor se convierte en un extenso homenaje a la exploración americana y a la frontera sin límites. Whitman se maravilla de nuestra capacidad para viajar en barco a la India y luego en locomotora a California, y luego mira al cielo y dice: "Oh, sol y luna, ¡pasaje a vosotros!

Las dos voces, separadas por casi 100 años, tienen sin duda una resonancia notable, que Bates pone de manifiesto en sus yuxtaposiciones cuidadosamente elegidas. La narración sigue a grandes rasgos la cronología de la década de 1960, ilustrando las esperanzas, los sueños, los logros, las tragedias y el triunfo final del dramático lanzamiento y alunizaje utilizando a Whitman para captar el espíritu emocional de cada fase del viaje.

 

Gustav Holst (n. 1874-1934)

Marte, Venus y Júpiter de Los Planetas, Op. 32

Compuesto: 1914-17
Instrumentación: 4 flautas (^3ª doblando a piccolo y^4ª doblando a flauta contralto y piccolo), 3 oboes (^3ª doblando a oboe bajo) más corno inglés, 3 clarinetes más clarinete bajo, 3 fagotes más contrafagot, 6 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba tenor, tuba, 2 timbales, 4 percusiones (triángulo, caja, pandereta, platillos, platillos suspendidos, bombo, tam-tam, campanas, xilófono), 2 arpas, celesta, órgano y cuerdas.

Viajamos más allá de la órbita de la Tierra para la última obra de esta noche. La mayoría de las reseñas escritas sobre la obra maestra sinfónica de Holst, Los planetas, hacen hincapié en el interés del compositor por la astrología, el misticismo y los horóscopos para explicar su enfoque de la música. Pero aunque estos temas despertaban su curiosidad, eran secundarios respecto a su inmersión en la música en sí. Aproximadamente un año antes de escribir Los planetas, Holst escribió: "Por regla general, sólo estudio cosas que me sugieren música .... Recientemente, el carácter de cada planeta me sugirió muchas cosas, y he estado estudiando la astrología bastante de cerca". Disfrutaba de los horóscopos durante toda su vida, no por sus supuestas verdades predictivas, sino por el poder sugestivo que parecían tener sobre sus lectores. Su hija, Imogen Holst, trató de aclarar las cosas unos años más tarde, escribiendo: "Los horóscopos no tuvieron nada que ver con la composición de Los planetas, y una vez que [Holst] hubo tomado la idea subyacente de la astrología, dejó que la música se saliera con la suya". Y vaya si lo hizo. El enorme tamaño de la orquesta requerida (que incluía oboe bajo, tuba tenor, contrafagot, flauta contralto, un amplio abanico de percusión e incluso un coro femenino fuera del escenario para Neptuno) fue el mayor que jamás utilizaría para extraer toda la gama de colores que deseaba en su obra. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial poco después de que Holst comenzara su obra, se dio cuenta de que sería difícil montar una producción a gran escala de la misma, lo que quizás ralentizó su progreso. Cuando la obra se estrenó en público a principios de 1919, el público quedó asombrado, y la pieza se incorporó rápidamente al repertorio estándar.

Holst compuso siete movimientos, uno para cada planeta conocido excepto la Tierra, basando la música en el carácter astrológico de cada uno. Para el estreno de la obra, Holst escribió:

Estas piezas fueron sugeridas por el significado astrológico de los planetas. No hay música de programa en ellas, ni tienen conexión alguna con las deidades de la mitología clásica que llevan los mismos nombres. Si se necesita alguna guía para la música, el subtítulo de cada pieza será suficiente, especialmente si se utiliza en un sentido amplio. Por ejemplo, Júpiter trae alegría en el sentido ordinario, y también en el más ceremonial asociado con festividades religiosas o nacionales....

Holst nunca consideró Los Planetas como una suite cohesionada (llamó a la obra "Siete piezas para gran orquesta"), y no es raro escuchar movimientos individuales extraídos de la obra. Esta noche, el programa incluye tres movimientos.

Mars fue escrita apenas unas semanas antes del estallido de las hostilidades en Europa, y es una impresionante declaración sobre la brutalidad y el sinsentido de la guerra. El implacable ostinato (frase repetida continuamente) en las cuerdas col legno (el intérprete golpea las cuerdas con el dorso del arco) y los timbales avanza amenazadoramente en compás de 5/4, mientras el material temático se deja en su mayor parte a las grandes fuerzas de metales. El dramático solo de la tuba tenor, contestado por las trompetas, se convierte en un gesto recurrente entre los rat-a-tats percusivos de fondo. El aterrador final fragmenta la figura del ostinato en doble fortissimo de metales y cuerdas.

No hay dos movimientos consecutivos en la literatura de la música occidental que sean más polos opuestos que Marte y Venus. En Venus, Holst utiliza la gran orquesta para crear un abanico variado de colores tonales, en lugar de las amplias extensiones de sonido y textura que encontramos en Marte. Los instrumentos solistas abundan en una atmósfera mágica de melodía continua: trompa solista, violín, oboe, clarinete, flauta y violonchelo.

La potencia de la sección de metales al completo se pone de manifiesto en la celebración de Júpiter. Tras una introducción memorable, se escucha el famoso lema de la trompa con su respuesta sincopada en metales y vientos. Holst juega con este lema tanto melódica como rítmicamente durante el resto del movimiento. En medio de esta algarabía llega la majestuosa sección ceremonial (a la que Holst se refería en sus notas), una melodía utilizada más tarde para ambientar el himno inglés "I vow to thee my country".

 

Notas de programa escrito por Jon Kochavi