Música inspirada en el espacio exterior

Domingo, Agosto 18, 2019 , 6:30 PM

Bates: Devil’s Radio

Bates: Passage

Holst: Excerpts from The Planets

 

 

Mason Bates (nacido en 1977)

Radio del Diablo

Encargado y estrenado por la Sun Valley Summer Symphony

Compuesto: 2014
Instrumentación: 2 flautas más 2 piccolos, 4 oboes (el 4º doblando al corno inglés), 2 clarinetes más clarinete en mi bemol y clarinete bajo, 3 fagotes más contrafagot, 6 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 4 percusiones (caja piccolo, triángulo alto, castañuelas, campanas, glockenspiel, crótalos, platillos splash, platillos ride, marimba, trompeta muy pequeña, bombo, sombrero alto, platillos suspendidos, tam-tam grande, bloques de papel de lija, platillos swish, 6 bloques de madera, shaker pequeño), arpa, piano (doblando la celesta), y cuerdas

Devil' s Radio, de Bates, fue un encargo del Sun Valley Music Festival para celebrar su30ª temporada en 2014, y desde entonces la pieza se ha repetido en numerosas ocasiones por todo el país. La frase "devil's radio" fue introducida en la conciencia pública por el tema de George Harrison de su álbum Cloud Nine de 1987. La melodía rockera de Harrison se inspiró en el cartel de una iglesia que veía de camino a dejar a su hijo en el colegio, en el que se leía: "Gossip: La radio del diablo... No seas un locutor". La misma cita básica fue el punto de partida de Bates, que llevó su creación musical en una dirección diferente, como escribió para el estreno:

"El rumor es la radio del diablo", reza una evocadora frase sureña, y desde que la escuché, he fantaseado con una fanfarria con partes iguales de oscuridad y groove. Lo que comenzó como un breve estudio de piano se expandió rápidamente más allá de sus límites, y la oportunidad de escribir para una gran orquesta en Sun Valley parecía la ocasión perfecta para dar al Diablo su merecido.

A veces la música es fríamente propulsiva, como en la apertura, que utiliza una especie de "señuelo musical" chispeante en los vientos altos. Sin embargo, pronto se ve afectada por una línea de bajo con tintes de blues y una percusión enérgica, que finalmente desemboca en una melodía que puede describirse como vanagloriosa. De hecho, la obra tiene un amplio brillo para contrarrestar sus rincones oscuros, y de esta manera puede escucharse como una fanfarria que nuestro villano podría escribir para sí mismo, completa con florituras grandiosas y una sección de swing contagiosa. Pero esta ligereza se evapora rápidamente en los minutos finales de la obra, cuando los estruendosos golpes de los metales bajos sugieren una figura del tamaño de Goliat lanzando su peso. Se despide con un guiño y una inclinación de cabeza, como todo un caballero.

 

Mason Bates (nacido en 1977)

Pasaje

Compuesto: 2017
Instrumentación: Mezzosoprano solista, 3 flautas ( y doblando a piccolo), 2 oboes, 2 clarinetes más clarinete mi bemol, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (platillos de dedos, triángulo alto, glockenspiel, vibráfono, bombo, marimba, caja, 5 bloques de madera, clics altos y bajos de madera, platillo suspendido, 2 interruptores flexibles de madera, tam-tam grande, crótalos), electrónica, arpa, piano y cuerdas

Bates ha sido compositor residente del Centro Kennedy de Artes Escénicas desde 2015, siendo el primer compositor nombrado para este puesto. Como parte de su residencia, Bates recibió el encargo de escribir una pieza para que la Orquesta Sinfónica Nacional la interpretara en conmemoración del centenario del nacimiento de John F. Kennedy en mayo de 2017. Después de buscar ideas sobre cómo celebrar el impacto de Kennedy en la nación, Bates se inspiró en la luna.

El 12 de septiembre de 1962, Kennedy pronunció su famoso discurso "moonshot" ante un estadio desbordado de tejanos en Houston. La idea de que Estados Unidos pudiera llevar a una persona a la luna a finales de esa década era, como mínimo, audaz. John Glenn había realizado su famoso vuelo -el primer astronauta estadounidense en orbitar la Tierra- apenas 7 meses antes del discurso de Kennedy, y apenas 5 años antes la humanidad no había enviado todavía ningún objeto de ningún tipo al espacio. En aquel momento, todavía se cuestionaba si los objetos sólidos se hundirían en los montículos de polvo de la superficie lunar. La confianza de Kennedy al declarar su intención de destinar importantes recursos a la consecución de este objetivo inspiró a la nación:

En el espacio exterior todavía no hay luchas, ni prejuicios, ni conflictos nacionales. Sus peligros son hostiles para todos nosotros. Su conquista merece lo mejor de toda la humanidad, y su oportunidad de cooperación pacífica puede no volver a presentarse nunca más. Pero, ¿por qué, dicen algunos, la Luna?

Elegimos ir a la luna. Elegimos ir a la luna en esta década y hacer las otras cosas, no porque sean fáciles, sino porque son difíciles, porque ese objetivo servirá para organizar y medir lo mejor de nuestras energías y habilidades, porque ese reto es uno que estamos dispuestos a aceptar, uno que no estamos dispuestos a posponer....

Justo el mes pasado, celebramos el 50º aniversario de la realización del gran esfuerzo de Kennedy con la misión Apolo 11.

Bates teje la narrativa de su obra utilizando el audio real del discurso de Kennedy en Houston y otros discursos que pronunció durante su presidencia, así como el audio de archivo de la década de esfuerzos hacia la luna. Pero como forma de contextualizar la aspiración básica del ser humano hacia la exploración, Bates también pone el texto para mezzosoprano (específicamente pensando en Sasha Cooke, que también cantó en el estreno) del poema de Walt Whitman "Pasaje a la India", de su emblemático Hojas de hierba, poniendo en diálogo a estos dos grandes visionarios estadounidenses. Bates escribe sobre su elección de incluir a Whitman:

Para complementar su discurso sobre la "moonshot", quería otra voz en la pieza, una perspectiva más poética sobre la exploración americana. Y así fue como apareció Walt Whitman.

De mis días de estudiante de inglés, recordé un poema místico llamado "Pasaje a la India". Lo que comienza como una oda al barco de vapor estalla en un extenso homenaje a la exploración americana y a la frontera sin límites. Whitman se maravilla de nuestra capacidad para viajar en barco a la India y luego en locomotora a California, y luego mira al cielo y dice: "¡Oh, sol y luna, pasaje a vosotros!

Las dos voces, separadas por casi 100 años, tienen en efecto una notable resonancia, que Bates pone de manifiesto en sus yuxtaposiciones cuidadosamente elegidas. La narración sigue a grandes rasgos la cronología de la década de 1960, ilustrando las esperanzas, los sueños, los logros, las tragedias y el triunfo final del dramático lanzamiento y alunizaje, utilizando a Whitman para captar el espíritu emocional de cada fase del viaje.

 

Gustav Holst (n. 1874-1934)

Marte, Venus y Júpiter de Los Planetas, Op. 32

Compuesto: 1914-17
Instrumentación: 4 flautas (la 3ª doblando al piccolo yla 4ª doblando a la flauta alta y al piccolo), 3 oboes (la 3ª doblando al oboe bajo) más el corno inglés, 3 clarinetes más el clarinete bajo, 3 fagotes más el contrafagot, 6 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba tenor, tuba, 2 timbales, 4 percusiones (triángulo, caja, pandereta, platillos, platillos suspendidos, bombo, tam-tam, campanas, xilófono), 2 arpas, celesta, órgano y cuerdas.

Viajamos más allá de la órbita de la Tierra para la última obra de esta noche. La mayoría de las reseñas escritas sobre la obra maestra sinfónica de Holst , Los Planetas, destacan el interés del compositor por la astrología, el misticismo y los horóscopos para explicar su enfoque de la música. Pero aunque estos temas despertaban su curiosidad, eran secundarios respecto a su inmersión en la música en sí. Aproximadamente un año antes de escribir Los Planetas, Holst escribió: "Por regla general, sólo estudio cosas que me sugieren música .... Recientemente, el carácter de cada planeta me ha sugerido mucho, y he estado estudiando la astrología bastante de cerca". Su disfrute de los horóscopos era de por vida, no por sus supuestas verdades predictivas, sino por el poder sugestivo que parecían tener sobre sus lectores. Su hija, Imogen Holst, trató de aclarar las cosas unos años más tarde, escribiendo: "Los horóscopos no tuvieron nada que ver con la escritura de Los Planetas, y una vez que [Holst] tomó la idea subyacente de la astrología, dejó que la música se saliera con la suya". Y vaya si lo hizo. El enorme tamaño de la orquesta requerida (que incluía oboe bajo, tuba tenor, contrafagot, flauta alta, un amplio abanico de percusión e incluso un coro de mujeres fuera del escenario para Neptuno) fue el más grande que jamás utilizaría para extraer toda la gama de colores que deseaba en su obra. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial poco después de que Holst comenzara su obra, se dio cuenta de que sería difícil montar una producción a gran escala de la misma, lo que quizás frenó su progreso. Cuando la obra se estrenó en público a principios de 1919, el público quedó asombrado, y la pieza entró rápidamente en el repertorio estándar.

Holst compuso siete movimientos, uno para cada planeta conocido excepto la Tierra, basando la música en el carácter astrológico de cada uno. Para el estreno de la pieza, Holst escribió:

Estas piezas fueron sugeridas por el significado astrológico de los planetas. No hay música de programa en ellas, ni tienen ninguna conexión con las deidades de la mitología clásica que llevan los mismos nombres. Si se requiere alguna guía para la música, el subtítulo de cada pieza será suficiente, especialmente si se utiliza en un sentido amplio. Por ejemplo, Júpiter trae alegría en el sentido ordinario, y también en el más ceremonial asociado a las festividades religiosas o nacionales....

Holst nunca consideró Los Planetas como una suite cohesionada (llamó a la obra "Siete piezas para gran orquesta"), y no es raro escuchar movimientos individuales extraídos de la obra. Esta noche, el programa incluye tres movimientos.

Mars fue escrita apenas unas semanas antes de que estallaran las hostilidades en Europa, y es una impresionante declaración sobre la brutalidad y el sinsentido de la guerra. El implacable ostinato (frase repetida continuamente) en las cuerdas col legno (el músico golpea las cuerdas con el dorso del arco) y los timbales presiona amenazadoramente en tiempo de 5/4, ya que el material temático se deja en su mayor parte a las grandes fuerzas de metal. El dramático solo de la tuba tenor, contestado por las trompetas, se convierte en un gesto recurrente entre los rat-a-tats percusivos del fondo. El aterrador final fragmenta la figura de ostinato en doble fortissimo de metales y cuerdas.

No hay dos movimientos consecutivos en la literatura de la música occidental que sean más opuestos que Marte y Venus. En Venus, Holst utiliza la gran orquesta para crear una gama variable de colores tonales en lugar de las amplias extensiones de sonido y textura que se encuentran en Marte. Los instrumentos solistas abundan en una atmósfera mágica de melodía continua: los solos de trompa, violín, oboe, clarinete, flauta y violonchelo adquieren protagonismo.

La potencia de la sección de metales al completo aparece para un retozo festivo en Júpiter. Tras una memorable introducción, se escucha el famoso lema de la trompa con su respuesta sincopada en metales y vientos. Holst juega con este lema tanto melódica como rítmicamente durante el resto del movimiento. En medio de este jolgorio llega la majestuosa sección ceremonial (a la que Holst se refería en sus notas), una melodía que más tarde se utilizó para ambientar el himno inglés "I vow to thee my country".

 

Notas de programa escrito por Jon Kochavi