Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Concierto en re menor para dos violines y orquesta de cuerda, BWV 1043
Compuesto: 1730-31
Instrumentación: 2 violines solistas, clavicordio y cuerdas
Bach asumió el cargo de Kantor (director musical) en la Thomasschule de Leipzig en 1723. Considerando a Bach un mediocre, el ayuntamiento le contrató a regañadientes después de que sus dos candidatos preferidos abandonaran la carrera por el puesto. Como figura musical más destacada de la ciudad, Bach tenía múltiples obligaciones y su productividad -especialmente para la iglesia en aquellos primeros años de Leipzig- era asombrosa. Durante sus dos primeros años allí, Bach compuso una nueva cantata para cada servicio dominical y fiesta religiosa, dos ciclos completos de increíble gracia y complejidad. Además, supervisó la formación de cuatro coros, dio clases constantes de canto e instrumentos, puso música a diversos eventos de la ciudad y fue director musical de la universidad. A principios de 1729, Bach había completado otros dos ciclos completos de cantatas, y es posible que sintiera el deseo de dirigir sus energías compositivas en otra dirección. Ese mismo año asumió la dirección del famoso collegium musicum de Leipzig, una mezcla de músicos profesionales y universitarios que ofrecían conciertos semanales en dos cafés de la ciudad. Este nuevo cargo brindó a Bach la oportunidad de ampliar su producción de música profana, y es probable que muchos de sus conciertos daten de esta época. El conocido Doble concierto para violín fue probablemente compuesto para ser interpretado en uno de estos eventos del collegium musicum, aunque algunos estudiosos creen que fue adaptado de una obra anterior para su estreno en Leipzig.
Hay algo tremendamente "pegadizo" en el primer movimiento del concierto. El implacable impulso hacia adelante, la vitalidad rítmica y la ingeniosa mezcla de rápidas carreras e intervalos muy espaciados (proyectando lo que se denomina "melodía compuesta") son sorprendentes, y la forma en que se entrelazan las líneas individuales de los solistas es hipnotizante. El movimiento es un buen ejemplo de la forma ritornello utilizada en los conciertos barrocos: todo el conjunto interpreta material recurrente de "ritornello" que alterna con secciones más libres de solistas -o, en este caso, dúos-. El ritornello de apertura es el más largo (aquí, presentado como una fuga a 3 voces), y los episodios solistas están ligeramente acompañados por el resto del conjunto.
El sublime movimiento central presenta a los dos violines solistas en un delicado contrapunto imitativo, como si ambos intérpretes mantuvieran una conversación expresiva entre sí. El conjunto desempeña aquí un papel secundario, sin romper nunca un hipnótico ostinato rítmico (frase repetida): un patrón corto-largo que se apoya suavemente en cada compás.
El virtuosismo reina en el final. Bach vuelve a la forma del ritornello como principio organizador, pero aquí está empujando la forma más cerca de su eventual punto de aterrizaje, el rondó clásico. Aunque sigue diferenciándose en repeticiones temáticas de ritornello y episodios más libres, la distinción musical entre tutti y solistas se disuelve. En su lugar, los dos solistas asumen un papel central a lo largo de todo el movimiento, mientras que el conjunto proporciona una base armónica y un fuerte énfasis estructural, especialmente al final de las secciones del ritornello. Las cuerdas graves también aparecen en un inusual contrapunto con los solistas. Al igual que en el primer movimiento, el impulso aquí es implacable, pero Bach opta por terminar la pieza con una armonía de re menor en lugar de la de re mayor con la que terminaba el movimiento inicial.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Concierto n.º 5 en la mayor para violín y orquesta, K. 219, "Turco"
Compuesto: 1775
Instrumentación: Violín solista, 2 oboes, 2 trompas y cuerdas
Durante un período concentrado de composición en la última mitad de 1775 en Salzburgo, Mozart escribió los últimos cuatro de sus cinco conciertos para violín, completando el quinto en diciembre de ese año. Aunque Mozart como intérprete se asociaba principalmente con el piano, también era un violinista consumado, y probablemente se tenía a sí mismo en mente como solista cuando escribió los conciertos para su orquesta de la corte en Salzburgo en 1775 (él era el concertino en ese momento). Las composiciones debieron de alegrar el corazón de su padre, que siempre había considerado que el talento de su hijo con el violín era excepcional pero estaba infrautilizado. En 1772, su padre le escribió: "Tú mismo no te das cuenta de lo bien que tocas el violín cuando estás en tu salsa y tocas con confianza, espíritu y fuego". Leopoldo continuó animando a su hijo a tocar el violín a lo largo de los años, escribiéndole en 1777: "Cuando el otro día decía que tocabas el violín pasablemente, [el violinista de Salzburgo Antonio] Brunetti estalló: '¿Qué? ¡Qué tontería! Puede tocar cualquier cosa'".
Aunque algunos conciertos para violín posteriores se le han atribuido de forma dudosa, el concierto que escuchamos esta noche es probablemente el canto del cisne de Mozart para los conciertos completos para violín (escribió varios movimientos individuales para violín y orquesta).
Estos conciertos son obras tempranas para Mozart, que aún era un adolescente en el momento de su composición. Resulta sorprendente, por tanto, considerar la brevedad de los escasos 45 años que median entre estos conciertos y el Doble concierto para violín de Bach. Durante ese lapso, la era barroca había transitado a través de las innovaciones del estilo galante (marcado por un retorno a la simplicidad) hacia el periodo clásico. Con esta transición llegó un enfoque totalmente nuevo de la forma del concierto, especialmente en lo que respecta al primer movimiento estándar del concierto. El ritornello de Bach -que había adaptado de obras anteriores de Vivaldi- fue sustituido por la llamada forma sonata, más estilizada, pero que ofrecía posibilidades dramáticas sin precedentes, que culminarían con las innovaciones de Beethoven. Mozart había perfeccionado la elaboración del primer concierto en torno al andamiaje de la nueva estructura de la forma sonata, con ejemplos arquetípicos en sus cuatro primeros conciertos para violín. Pero a partir del quinto, Mozart fue más allá de las expectativas de la forma, desarrollando e innovando un enfoque que, incluso en su forma estándar de la época, habría sido sorprendentemente ajeno a Bach en la década de 1730.
En particular, el primer movimiento contiene un giro en su forma que el académico Donald Tovey calificó de "una de las mayores sorpresas jamás perpetuadas en un concierto". El movimiento final también contiene una ingeniosa sorpresa: un tema "turco" aparece de forma bastante inesperada en mitad de ese movimiento. Mozart tomó prestado el tema de la música que había compuesto dos años antes para el ballet Le gelosie del serraglio. La combinación única de humor y elegancia de este concierto lo ha convertido en uno de los favoritos del público y de los violinistas desde hace más de 200 años.
La innovación en el primer movimiento se produce tras la habitual introducción de temas de concierto por parte de la orquesta. En lugar de que el violín solista se lance a una repetición de estos temas, Mozart cambia repentinamente a adagio, y el violín entra con una nueva y expresiva melodía. Esto nunca se había hecho antes y no se ha vuelto a hacer desde entonces (¡al menos que yo sepa!). Cuando el allegro vuelve a arrancar, el violín introduce otro tema nuevo que incluye un descenso en espiral que parece acelerarse hacia la caída. El material orquestal inicial -que Mozart había establecido como el esperado primer tema- sirve en realidad de acompañamiento a esta melodía de violín mucho más audaz. Sólo la segunda parte del tutti inicial es retomada por el solista.
El segundo movimiento en mi mayor comienza con una sección orquestal que marca un ritmo cómodo y se caracteriza por rápidos cambios entre piano y forte. La forma es bastante libre, con tres entradas distintas del violín, cada una de las cuales amplía la introducción a través de Si mayor y Sol sostenido menor. El movimiento termina con una cadencia o pasaje solista sin acompañamiento. Inusualmente, cada movimiento de la obra contiene una cadencia; las cadencias escritas por el violinista del siglo XIX Joseph Joachim se han convertido en un estándar en las interpretaciones modernas, y serán interpretadas esta noche por Ray Chen.
El rondó final, en la forma A-B-A-C-A-D-A-B-A, comienza como un minueto señorial y refinado, una danza estilizada, nítida y grácil. Imagínense la sorpresa del primer público cuando comenzó el tema turco en la menor (sección D de la forma mencionada) y el violinista clásico se convirtió de repente en un violinista gitano. La danza turca avanza a una velocidad vertiginosa, y cortas y rudas ondas cromáticas recorren la orquesta de arriba abajo entre las secciones del violinista. A las cuerdas graves se les ordena incluso tocar col legno, con la parte de madera de sus arcos. Una cadencia enlaza el episodio gitano con el refinado minueto, terminando el movimiento con la misma gracia con la que empezó.
Notas de programa escrito por Jon Kochavi