Joyce Yang Plays Rachmaninoff notas de programa

Domingo, 15 de agosto de 2021 , 18H30

Smetana: El Moldava de Má vlast [Mi patria]

Rachmaninoff: Concierto nº 2 en do menor para piano y orquesta, Op. 18

Bedřich Smetana (1824-1884)

El Moldava de Má vlast [Mi patria]

Compuesto: 1874
Instrumentación: 2 flautas y flautín, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (triángulo, bombo, platillos, platillo suspendido), arpa y cuerdas

A lo largo de su carrera, Smetana desarrolló una voz musical que llegó a definir lo que se conocería como el estilo musical nacional checo. Sin embargo, Smetana no empezó en esta dirección. Smetana creció hablando alemán y se consideraba a sí mismo un compositor de la tradición germánica, por lo que pasó mucho tiempo en el extranjero, incluida una estancia de cinco años en Suecia. Cuando regresó a Praga en 1862, era una ciudad en proceso de redefinición, con una escena musical en expansión y un creciente sentimiento de nacionalismo checo a través de lo que se llamó el Renacimiento Nacional. Fue una confluencia fortuita para Smetana. Empezó a sumergirse en la lengua checa y en 1863 terminó la primera de lo que serían ocho óperas, todas en checo. Con el éxito de estas producciones, el estilo musical de Smetana empezó a convertirse en emblema de la música checa en general, algo de lo que Smetana llegó a darse cuenta, escribiendo en 1882: "Según mis méritos y según mis esfuerzos soy un compositor checo y el creador del estilo checo en las ramas de la música dramática y sinfónica - exclusivamente checo".

En 1874, Smetana comenzó a componer seis poemas tonales orquestales, que acabarían conociéndose como Má vlast (Mi patria), cada uno basado en un mito, historia o lugar asociado a Bohemia, diseñados para ser interpretados por separado. Vltava, conocida en español como El Moldava, fue la segunda de ellas y es la más conocida. En ella, Smetana representa el río Moldava, el más largo de la actual República Checa, con más de 250 millas de longitud. Si ha paseado por el Puente de Carlos de Praga, se habrá parado sobre sus aguas. El propio Smetana dio la siguiente descripción de la pieza:

La composición describe el curso del Moldava, partiendo de los dos pequeños manantiales, el Moldava frío y el Moldava cálido, hasta la unificación de ambos arroyos en una sola corriente, el curso del Moldava a través de bosques y prados, por paisajes donde se celebra la boda de un campesino, la danza circular de las sirenas en la luz de la luna nocturna: en las rocas cercanas se alzan orgullosos castillos, palacios y ruinas en lo alto. El Moldava se arremolina en los rápidos de San Juan; luego se ensancha y fluye hacia Praga, pasando por Vyšehrad [la fortaleza del siglo X representada en el primer poema tonal de Má vlast], y luego se desvanece majestuosamente en la distancia, terminando en el Labe [el río Elba].

La breve introducción presenta las ondulaciones de dos flautas entrelazadas a las que se une una pareja de clarinetes igualmente entrelazados, mientras las corrientes de agua crecen hasta convertirse en un majestuoso río, representado por el famoso tema Moldau. Smetana tomó prestada esta melodía de una antigua canción italiana, "La Montovana", que también fue la fuente de lo que se convertiría en el himno nacional de Israel, "Hatikvah". Las ondulaciones se calman y se deslizan mientras una danza nupcial campesina entra en escena con un ritmo duplo desprendido. Las ondulaciones de la flauta regresan, acompañando la graciosa danza nocturna de las sirenas en los registros superiores de las cuerdas apagadas. El tema principal del Moldava regresa y musicalmente desemboca directamente en los tempestuosos rápidos, con su percusión retumbante y estruendosa. En el viaje final del río a través de Praga, el tema del Moldava cambia definitivamente a una tonalidad mayor y aparece el tema del primer poema de Smetana que describe el Vyšehrad (un fuerte histórico cerca de Praga), aquí como una especie de himno majestuoso.

Sergei Rachmaninoff (1873-1943)

Concierto nº 2 en do menor para piano y orquesta, Op. 18

Compuesto: 1900-1901
Instrumentación: Piano solo, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (bombo, platillos) y cuerdas

Rachmaninoff, de 24 años, caminaba sobre el aire cuando viajó a San Petersburgo para asistir a los ensayos y al estreno de su Primera Sinfonía en 1897. Se sentía muy bien con su composición y estaba entusiasmado con la nueva exposición que le proporcionaría. Pero desde el primer ensayo, Rachmaninoff supo que las cosas no iban bien. La interpretación era atroz, pero lo más inquietante es que empezó a dudar de la valía de la propia obra. La representación resultó ser un desastre sin paliativos, y el público de San Petersburgo, ya poco dispuesto a conceder el beneficio de la duda a un compositor moscovita, respondió con hondas y flechas. Sumido en un profundo abismo de depresión, Rachmaninoff apenas pudo componer una nota durante dos años. Sus amigos estaban profundamente preocupados, y uno de ellos incluso le llevó a conocer a León Tolstoi, a quien había preparado un plan para animar al compositor. No funcionó.

Casi sin ideas, los amigos de Rachmaninoff le convencieron para que consultara al Dr. Nikolai Dahl, experto en hipnosis. El compositor se reunió con Dahl todos los días durante cuatro meses a principios de 1900 y más tarde describió su tratamiento y sus efectos:

Mis parientes le habían dicho al Dr. Dahl que debía curarme a toda costa de mi estado apático y lograr tales resultados que yo volviera a empezar a componer. Dahl había preguntado qué tipo de composición deseaban y había recibido la respuesta. "Un concierto para piano", que yo había prometido a la gente de Londres y había abandonado desesperado. En consecuencia, oí repetir, día tras día, la misma fórmula hipnótica, mientras yacía medio dormido en un sillón de la consulta del doctor Dahl: "Empezarás a componer un concierto-Trabajarás con la mayor facilidad-La composición será de excelente calidad". Siempre era lo mismo sin interrupción.

Aunque parezca imposible de creer, este tratamiento me ayudó de verdad. Empecé a componer a principios de verano. El material crecía en volumen, y empezaron a brotar en mí nuevas ideas musicales, muchas más de las que necesitaba para mi concierto..... Sentí que el tratamiento del Dr. Dahl había fortalecido mi sistema nervioso hasta un grado casi milagroso. Como muestra de gratitud, le dediqué mi Segundo Concierto.

El enorme éxito de su concierto aumentó aún más la confianza de Rachmaninoff, iniciando el periodo más gratificante de su vida desde el punto de vista creativo. A lo largo de su vida, actuó como solista en más de 100 representaciones de la obra, que se ha convertido en uno de los conciertos para piano más queridos del repertorio.

Como ha dicho la solista de este concierto, Joyce Yang, el Segundo Concierto para Piano está "lleno de melodías preciosas, una tras otra". Los oyentes que nunca hayan escuchado la obra podrán reconocer su música en docenas de películas y como material temático en canciones de Frank Sinatra y Celine Dion, entre otros. Resulta difícil creer que esta inspiración creativa surgiera de un compositor que no pudo componer una nota durante los dos años anteriores. Al escuchar la pieza, es fácil perderse en el lirismo amplio y arrollador de estas melodías y en la exuberante textura armónica que fluye y refluye con tanta belleza. Lo que no es tan obvio, pero igualmente impresionante, es el férreo control del material que exhibe la pieza, especialmente en el primer movimiento. El apasionado primer tema, tan típicamente ruso, y el elegantemente arqueado segundo tema no contrastan entre sí de la manera típica, sino que se complementan motivacionalmente, una relación que Rachmaninoff explota hábilmente en una de las secciones de desarrollo más sobresalientes y conmovedoras de la literatura. Al darse cuenta de que una cadencia tras la recapitulación sería superflua y distraería, Rachmaninoff reformula el segundo tema en una etérea línea de trompa solista que se disuelve en una breve pero intensa coda.

El Adagio, que asume el papel de un nocturno con cuerdas apagadas, está lleno de inspiración, comenzando con la introducción de cuatro compases que guía hábilmente una modulación de Do menor a la tonalidad bastante distante de Mi mayor. Cuando los arpegios del piano entran, nos llevan a suponer que el compás es 3/4, pero cuando la flauta entra con la suave primera melodía, descubrimos que la música está en realidad en 4/4 con un fluido acompañamiento de tresillos. En la parte central, la intensidad aumenta hasta que el piano no puede contenerse más y se permite un vuelo de fantasía de gran alcance, una especie de cadencia acompañada, antes de que las flautas arrastren al pianista de nuevo al redil.

El dramático final ofrece una conclusión adecuada al concierto. A diferencia del material del primer movimiento, los dos temas principales son sorprendentemente contrastantes: los ritmos enérgicos del primero dan paso al amplio lirismo del segundo. Cada uno de ellos se desarrolla ampliamente pero por separado, lo que conduce a un tremendo clímax al final del movimiento, donde los dos temas se combinan finalmente. Con esta obra de principios del siglo XX, Rachmaninoff ha logrado de forma convincente lo que tantos compositores de principios del siglo XXI vuelven a perseguir: escribir música que inspire tanto el corazón como la mente.

Notas de programa escrito por Jon Kochavi