Notas de programa del Quinteto para piano turbulento de Brahms

Martes, 17 de agosto de 2021 , 18:30

Brahms : Intermezzo en La Mayor, Op. 118

Brahms: Quinteto en fa menor para dos violines, viola, cello y piano, Op. 34a

Johannes Brahms (1833-1897)

Intermezzo en La Mayor, Op. 118

Compuesto: 1893
Instrumentación: Piano

Brahms escribió 18 piezas individuales para piano que tituló "Intermezzo", la mayoría de las cuales aparecen como parte de las últimas colecciones de sus Ops. 116 a 119. Aplicado a obras no escénicas, el término había sido utilizado sólo esporádicamente por algunos compositores anteriores. La mayoría de las veces, el término sustituía al "Scherzo" en una obra de varios movimientos (Mendelssohn) o a la sección "Trío" dentro de un movimiento de este tipo (Schumann), lo que sugiere un carácter distinto de estos términos más antiguos. El propio Brahms sustituyó el esperado Scherzo por un Intermezzo en su Cuarteto para piano Op. 25 (1861), e incluyó un movimiento Intermezzo "extra" en su Sonata para piano Op. 5 (1853). Pero las colecciones de Intermezzi para piano de la última época de Brahms llegaron a definir el género.

Es difícil caracterizar los Intermezzi en general, ya que expresan una gran variedad de sentimientos en estructuras musicalmente diversas. Sin embargo, comparten una intensidad concentrada, una inmediatez emocional y una sensibilidad lírica que les confiere una intimidad, como si nos asomáramos a una ventana a los pensamientos y reflexiones más íntimos de Brahms.

El Intermezzo en La mayor es el más conocido del conjunto. Está marcado como Andante teneramente, y desde el principio, con su melodía elevada acompañada de arpegios que caen lentamente en cascada, hay una nostalgia agridulce en la pieza. La armonía de re mayor (el llamado acorde IV) es la protagonista de las primeras frases, lo que crea un aura de nostalgia y quizás una pizca de arrepentimiento en el carácter de la música. La sección central cambia a un melancólico fa sostenido menor, alternando ritmos de choque de tresillos inquietos con una tranquila progresión de acordes de tipo coral.

Johannes Brahms (1833-1897)

Quinteto en fa menor para dos violines, viola, cello y piano, Op. 34a

Compuesto: 1893
Instrumentación: 2 violines, viola, cello y piano

El único quinteto para piano de Brahms tuvo una gestación particularmente inusual. En 1862, Brahms empezó a componer su Op. 34 para quinteto de cuerda con dos violonchelos, quizás influenciado por el éxito de la obra de Schubert de esa forma. Aunque Clara Schumann sólo tenía cosas buenas que decir sobre la pieza, Joseph Joachim, el gran violinista y amigo de Brahms, afirmó que las partes de cuerda eran simplemente demasiado difíciles. Siguiendo el consejo de su amigo, Brahms reformuló la pieza como sonata para dos pianos. Ahora Clara Schumann se opuso, encontrando que la pieza sonaba demasiado como el arreglo que era y sugiriendo que Brahms podría resolver este problema reescribiéndola de nuevo, ahora como un quinteto para piano. Aunque no estaba completamente insatisfecho con su dúo para piano (que finalmente publicó como Op. 34b), Brahms siguió sabiamente el consejo de Clara para producir uno de los tres o cuatro quintetos para piano más conocidos y queridos en la actualidad.

En una carta de 1865 a Brahms, Joachim escribe que el quinteto en fa menor es una "obra maestra de la música de cámara, como no hemos visto desde el año 1828". Ese fue el año de la muerte de Schubert, y de hecho Brahms pudo haberse inspirado en su predecesor vienés al componer su quinteto.
La partitura original del quinteto de cuerda revela una deuda con el magnífico quinteto de cuerda en Do mayor de Schubert. Sin embargo, el respetado pianista estadounidense Charles Rosen sugiere que una influencia aún mayor puede haber sido el Gran Dúo para dos pianos de Schubert, que Brahms había estado estudiando en la época en que compuso su quinteto para piano. Los últimos movimientos de estas dos obras, en particular, parecen estar estrechamente alineados: emplean melodías similares y utilizan una métrica, una estructura de frases, figuras de acompañamiento y síncopas comparables. Como gran admirador de Schubert, Brahms sólo podía sentirse halagado por tales comparaciones, pero al final, el quinteto para piano es exclusivamente brahmsiano en su amplia concepción de la melodía, su vitalidad rítmica y su innovador uso de la forma.

Los compases iniciales son únicos: el piano toca un tema arpegiado en octavas con el violonchelo y el primer violín, marcado como mf, que llega rápidamente a un ritard (ralentización) y a una fermata (pausa). El estado de ánimo es peculiarmente ambiguo: audaz y vacilante, seguro y en búsqueda. Se trata de una introducción que prepara el primer movimiento, una oferta melódica que se construye a partir de una serie de temas distintivos y expresivamente contrastantes. El genio de Brahms es que la música nunca parece un mosaico; los temas emergen naturalmente uno de otro -de misterioso a tormentoso a desgarradoramente expresivo- a pesar del uso económico de material de transición. Las melodías son revisadas y reorganizadas en la sección de desarrollo sorprendentemente baja, y la innovadora coda es una expansión magistral de los primeros ocho compases de la pieza.

Al refundir su versión para dos pianos como quinteto para piano, Brahms optó a menudo por conservar una de las dos partes de piano o incluso por combinar la mano derecha de un piano con la izquierda del otro para formar la parte de piano del quinteto. Distribuyó el resto de la música a las cuatro partes de cuerda, estableciendo una dicotomía entre el piano y el cuarteto de cuerda en su quinteto. Esto es especialmente evidente en el exquisito segundo movimiento, donde el piano tiene el tema principal, tranquilo y lírico, que se extiende a lo largo de los primeros 34 compases del movimiento. En este punto, un cambio a los tresillos da paso al segundo tema en un inusual unísono entre el segundo violín y la viola. Cuando el primer tema regresa, pasa del piano a las cuerdas. La marca de tempo, un tanto confusa, (que indica algo entre el andante y el adagio) ha dado lugar a interpretaciones muy variadas, con interpretaciones que oscilan entre algo más de 6 minutos (el Cuarteto de Cuerda de Montreal con Gould) y algo menos de 10 minutos (el Cuarteto Borodin con Richter).

Con sus inquietantes síncopas y sus pizzicatos de contrabajo en el violonchelo, la apertura del Scherzo casi parece surgir de la era del jazz. El siguiente tema de ritmo punteado contrasta muy bien sin perder vitalidad rítmica y se transforma dramáticamente en una marcha triunfal. El material más lírico del trío se deriva ingeniosamente de este tercer tema.

La introducción lenta y altamente cromática del Finale se basa en entradas fugaces que esbozan conmovedoramente una 9ª menor. (Los llamativos choques tonales recuerdan aquí a la inusual apertura del Cuarteto "Disonancia" de Mozart, que el Cuarteto de Cuerda Edgar M. Bronfman interpretó hace una semana). La parte principal del movimiento es formalmente libre, estableciendo dos temas contrastantes -una danza folclórica que aparece primero en el violonchelo (quizás derivada del mismo tema folclórico que inspiró El Moldava de Smetana de hace dos noches) y un tema más sostenido y cromático. Estos dos temas se alternan y finalmente se unen en el ardiente cierre de este impresionante quinteto.

Notas de programa escrito por Jon Kochavi