Aaron Copland (1900-1990)
Appalachian Spring, Suite para 13 instrumentos
Compuesto: 1943-1944
Instrumentación: flauta, clarinete, fagot, piano, 2 violines primeros, 2 violines segundos, 2 violas, 2 violonchelos, contrabajo
Copland, que no era ajeno a la composición compleja y atonal, adoptó un estilo más familiar y accesible a mediados de la década de 1930. Este nuevo enfoque se basó en melodías y ritmos folclóricos, creando un sonido que hasta la fecha significa inmediatamente la apertura y la belleza del paisaje americano. Más tarde explicó la razón de este cambio:
Empecé a sentir una creciente insatisfacción con las relaciones del público melómano y el compositor vivo. El antiguo público "especial" de los conciertos de música moderna había desaparecido, y el público de los conciertos convencionales seguía siendo apático o indiferente a todo lo que no fueran los clásicos consagrados. Me parecía que los compositores corríamos el riesgo de trabajar en el vacío..... Me pareció que merecía la pena hacer el esfuerzo de ver si podía decir lo que tenía que decir en los términos más sencillos posibles.
Sus ballets del Salvaje Oeste Billy the Kid y Rodeo utilizaron este estilo con enorme éxito. Unos meses después del estreno de Rodeo, Copland recibió el encargo de componer un nuevo ballet para Martha Graham. Ambos llevaban esperando colaborar desde principios de los años treinta, cuando Graham creó una coreografía para sus espinosas Variaciones para piano. Impresionado, Copland escribió entonces: "Seguramente sólo un artista con un conocimiento de mi trabajo podría haber visualizado material de danza en una composición tan rítmicamente compleja y temáticamente abstrusa". Con el encargo de Graham a Elizabeth Sprague Coolidge, que pedía una partitura para orquesta de cámara, por fin había llegado la oportunidad.
Copland compuso la música para conjunto de cámara de 13 músicos basándose en un guión de Graham, que coreografió la obra una vez terminada la música. La historia se resumió en el estreno, en octubre de 1944:
Una celebración pionera en primavera alrededor de una granja recién construida en las colinas de Pensilvania a principios del siglo [XIX]. La futura esposa y el joven marido granjero representan las emociones, alegres y aprensivas, a las que invita su nueva relación doméstica. Un vecino mayor sugiere de vez en cuando la rocosa confianza de la experiencia. Un renovador y sus seguidores recuerdan a los nuevos propietarios los aspectos extraños y terribles del destino humano. Al final, la pareja se queda tranquila y fuerte en su nueva casa.
Una vez casi terminada, Graham tituló la obra Appalachian Spring (Primavera de los Apalaches) por un verso del poema épico "The Bridge" (El puente) del emblemático poeta estadounidense Hart Crane (que hace referencia a una masa de agua, no a la estación del año). A Copland siempre le divirtieron los frecuentes comentarios que le hacían sobre cómo había captado la esencia del espíritu de los Apalaches en la obra que escribió sin tener a los Apalaches en mente en absoluto. De hecho, fue la propia Graham quien proporcionó la inspiración musical para la obra, como Copland escribió más tarde:
Cuando escribí Appalachian Spring pensaba sobre todo en Martha y en su estilo coreográfico único, que conocía bien. Nadie se parece a Martha: es tan orgullosa, tan ella misma. Y, sin duda, es muy americana: hay algo en ella de primoroso y comedido, sencillo pero fuerte, que uno tiende a considerar americano.
Tras la entusiasta acogida del ballet, Copland preparó en 1945 una suite orquestal para orquesta completa que seguía de cerca el ballet original, con una larga escena eliminada hacia el final. La orquesta, más grande, permitía mayores efectos coloristas, pero perdía parte de la intimidad de la música original. Copland volvería a componer la suite utilizando la instrumentación original del ballet, que es la versión que escuchamos esta noche.
La sencilla introducción despliega lentamente una tríada de La mayor, mientras los personajes se presentan "en una luz difusa", en palabras de Copland. A continuación, un arrebato correoso se mezcla con un coral más sostenido, que describe "un sentimiento a la vez eufórico y religioso". Después de una danza de "ternura y pasión" para la pareja de novios, una serie de danzas campestres -alternando saltos y pisotones- se inicia con la llegada del renovador y su rebaño. Un rápido pasaje de los violines introduce una extensa danza en solitario para la Novia que expresa los "extremos de la alegría y el miedo y el asombro". Tras un recuerdo de la apertura, la suite presenta la ahora conocida melodía de los Shaker "Simple Gifts". Copland se había topado con la melodía en 1940 y sintió que encajaba perfectamente con "el tipo de movimientos austeros asociados con la coreografía [de Graham]". Las variaciones de Copland sobre la melodía acompañan a la Novia y al Granjero en sus actividades cotidianas. La suite termina con una coda que presenta un himno conmovedor en las cuerdas y luego en los vientos. La serena música de la apertura regresa para cerrar el círculo de la obra, y "la pareja se queda tranquila y fuerte en su nueva casa."
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Sinfonía nº 38 en re mayor, K. 504, "Praga"
Compuesto: 1786
Instrumentación: 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, timbales y cuerdas
Las bodas de Fígaro, obra maestra de la ópera bufa de Mozart, se representó por primera vez en Praga en diciembre de 1786, apenas unos meses después de su estreno en Viena, bajo la dirección de la Compañía Nacional de Teatro de Pasquale Bondini. Mozart ya se había dado a conocer en Praga unos años antes con la producción de su ópera El rapto en el serrallo. Sin embargo, esta nueva ópera causó una gran sensación en la ciudad, que ya estaba inmersa en una especie de obsesión municipal colectiva por la ópera italiana. La Sociedad de Grandes Conocedores y Aficionados envió cartas a Mozart instándole a visitar Praga para asistir a una de estas producciones de Fígaro. Animado, Mozart emprendió el viaje desde Viena y permaneció en Praga durante todo un mes a principios de 1787. El día de su llegada, Mozart fue llevado a un baile festivo en el que quedó sorprendido por la selección musical, como se relata en una carta de esa semana:
Yo miraba con gran placer mientras toda esta gente brincaba de un lado a otro en puro deleite con la música de mi Fígaro arreglada para contradanzas y valses. Porque aquí no se habla de otra cosa que de Fígaro. No se toca ni se canta ni se silba otra cosa que Fígaro.... Un gran honor para mí.
Mozart no podía estar más contento con la acogida que recibió en Praga, y quedó debidamente impresionado por el conocimiento del público y el talento de los intérpretes. Dirigiendo él mismo una de las representaciones de Fígaro, Mozart fue acogido con gran entusiasmo. Bondini encargó a Mozart que escribiera otra ópera, que se convertiría en Don Giovanni, estrenada por Mozart en Praga ese mismo año. El triunfo de Mozart en Praga se vio coronado por un concierto en el que interpretó la sinfonía que había terminado en Viena justo antes de su viaje. La ciudad adoptó rápidamente la obra como propia, y la Sinfonía nº 38 pasó a conocerse como la Sinfonía "de Praga". Aunque sólo consta de tres movimientos (falta el minueto tradicional), la obra es una de las más complejas de Mozart, y muestra un control magistral de la forma y el motivo.
La Sinfonía de Praga está en re mayor, pero la larga introducción lenta de la obra (algo inusual en Mozart) se mantiene obstinadamente en re menor. De hecho, este tipo de yuxtaposiciones mayor-menor abundan en la obra, añadiendo profundidad y patetismo. El comienzo de la exposición no resuelve la tensión de la introducción, sino que presenta una línea de violín sincopada que acompaña gestos circulares ambiguos en las cuerdas graves. Mozart convierte este susurro motívico en un tema más sólido que no tarda en imponerse (retomaría este gesto circular en su brillante obertura de la Flauta Mágica unos años más tarde). El lírico segundo tema recuerda en sus dos frases el vínculo mayor-menor de la introducción. La sección de desarrollo es de una genialidad exuberante, maniobrando elementos del primer tema en un despliegue sin esfuerzo, compacto y emocionante. Después de un punto de pedal absurdamente largo que sólo Mozart podría conseguir, la recapitulación presenta una reescritura que es a la vez extensa y sutil, construyendo suficiente impulso dramático hasta el final como para que una coda sea totalmente innecesaria.
La melodía principal del Andante en sol mayor (que se escucha en los violines al comienzo) es en realidad una ampliación y extensión del omnipresente lema de 16 notas del primer material temático del primer movimiento. Mozart también invierte esta melodía (le da la vuelta) para formar un tema staccato subsidiario que aparece en la segunda frase. El segundo tema también se parece al segundo tema del primer movimiento, ya que asciende tres escalones. Mozart engaña al público con un falso retorno al tema principal en la inesperada tonalidad de Do mayor, pero resulta ser el comienzo de una sección de desarrollo modulatorio que da cuerpo al movimiento en forma sonata.
El motivo principal del primer tema del final (un esbozo en staccato de cuatro notas de una tríada mayor) reaparece a lo largo del movimiento. Está tomado de un dúo entre Cherubino y Susanna en Fígaro, cuando el primero salta por la ventana para evitar ser encontrado. Esta pequeña referencia debió de hacer las delicias del público praguense de la época. El motivo recurrente y el ritmo ágil del movimiento sugieren un rondó, pero Mozart lo convierte en una sonata en toda regla. Las síncopas del primer tema nos recuerdan de nuevo al primer movimiento, y las interjecciones cromáticas del viento en el segundo tema, incluidas las ridículas figuras de acompañamiento del fagot, añaden humor a esta emocionante conclusión de la sinfonía.
Notas de programa escrito por Jon Kochavi