Alisa Weilerstein Plays Schumann notas de programa

Jennifer Higdon (n. 1962)

catedral azul

Compuesto: 1999
Instrumentación: 2 flautas con un 2º flautín doble, 1 oboe y corno inglés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 3 percusiones (crótalos, marimba, tam-tam, vibráfono, glockenspiel, cencerro, platillo chisporroteante, platillo suspendido, campanillas, bombo, tomtom, triángulo), arpa, celesta doble de piano y cuerdas. Además, la partitura requiere 8 vasos de agua de cristal tocados por los músicos de metal y 60 campanas chinas tocadas por la mayor parte de la orquesta. También requiere que el piano esté "preparado" con 2 tornillos en las cuerdas para los últimos 7 compases de la pieza.

El programa de esta noche comienza con una de las obras más conocidas de la prolífica compositora estadounidense Jennifer Higdon. Su biografía oficial dice así:

Jennifer Higdon es una de las figuras estadounidenses más aclamadas de la música clásica contemporánea, galardonada con el Premio Pulitzer de Música 2010 por su Concierto para violín, un Grammy 2010 por su Concierto para percusión, un Grammy 2018 por su Concierto para viola y, más recientemente, un Grammy 2020 por su Concierto para arpa. En 2018, Higdon recibió el prestigioso Premio Nemmers de la Universidad Northwestern, que se otorga a compositores clásicos contemporáneos de logros excepcionales que han influido significativamente en el campo de la composición. Higdon disfruta de varios cientos de interpretaciones al año de sus obras, y blue cathedral es la obra orquestal contemporánea más interpretada en la actualidad, con más de 650 representaciones en todo el mundo. Sus obras se han grabado en más de 70 CD. La primera ópera de Higdon, Cold Mountain, ganó el Premio Internacional de Ópera al Mejor Estreno Mundial y la grabación de la ópera fue nominada a dos premios Grammy. Es titular de la Cátedra Rock de Composición del Instituto Curtis de Música de Filadelfia.

El éxito de Cold Mountain impulsó la composición de su segunda ópera, Woman With Eyes Closed, cuyo estreno, retrasado por COVID, está previsto para este otoño en Filadelfia. El sonido de Higdon es claramente americano, aunque resulte difícil precisar cómo. Hay una apertura y una franqueza en su modo de comunicación, expresadas a través de sus ritmos bien definidos y su robusta paleta armónica, que parecen remitir a Copland. También hay un optimismo exuberante e intrincado en gran parte de su música que resuena en el público: es capaz de hablar directamente a los oyentes sin menospreciarlos en ningún momento.

Higdon aporta la siguiente nota sobre la catedral azul:

Azul... como el cielo. Donde se elevan todas las posibilidades. Catedrales... un lugar de pensamiento, crecimiento, expresión espiritual... que sirve de puerta simbólica para entrar y salir de este mundo. El azul representa todo el potencial y la progresión de los viajes. Las catedrales representan un lugar de comienzos, finales, soledad, compañerismo, contemplación, conocimiento y crecimiento. Mientras escribía esta pieza, me imaginé un viaje a través de una catedral de cristal en el cielo. Como las paredes serían transparentes, vi la imagen de nubes y azulado impregnando el exterior de esta iglesia. En mi mente, el oyente entraría por la parte trasera del santuario, flotando por el pasillo entre gigantescos pilares de cristal, moviéndose en una postura contemplativa. Las figuras de las vidrieras empezarían a moverse con el canto, entonando una música celestial. El oyente flotaría por el pasillo, ascendiendo lentamente al principio y luego progresando a un ritmo más rápido, elevándose hacia un inmenso techo que se abriría al cielo... A medida que este viaje avanzaba, la velocidad del viajero aumentaba, precipitándose hacia delante y hacia arriba. Quería crear una sensación de contemplación y paz al principio, y luego una sensación de celebración y expansión extática del alma, todo ello cantando al ritmo de esa música celestial.

Estos fueron mis pensamientos cuando el Curtis Institute of Music me encargó una obra para conmemorar su 75 aniversario. Curtis es una casa del conocimiento, un lugar donde alcanzar esa hermosa expresión del alma que llega a través de la música. Empecé a escribir esta obra en una coyuntura única de mi vida y me encontré reflexionando sobre la cuestión de qué es una vida. La reciente pérdida de mi hermano menor, Andrew Blue, me hizo reflexionar sobre los increíbles viajes que todos hacemos en nuestras vidas, cruzándonos con tantas personas, individual y colectivamente, aprendiendo y creciendo a cada paso del camino. Esta obra representa la expresión del individuo y del grupo... nuestros viajes interiores y los lugares a los que nos lleva el alma, las lecciones que aprendemos y el crecimiento que experimentamos. En homenaje a mi hermano, incluyo solos de clarinete (el instrumento que él tocaba) y flauta (el instrumento que yo toco). Como soy el hermano mayor, es la flauta la que aparece en primer lugar en este diálogo. Al final de la obra, los dos instrumentos continúan su diálogo, pero es la flauta la que abandona y el clarinete el que continúa en el viaje ascendente. Se trata de una historia que conmemora el vivir y el pasar por lugares de conocimiento y de intercambio y de ese canto llamado vida. Esta obra fue encargada y estrenada en 2000 por el Curtis Institute of Music.

La pieza puede dividirse en cuatro secciones. La primera construye gradualmente un cálido lecho sonoro, especialmente rico en el timbre de la cuerda, sobre el que entran la flauta y el clarinete. Tras alcanzar el clímax, la textura se adelgaza para la segunda sección, un momento contemplativo en el que fragmentos de motivos pasan por los distintos instrumentos de la orquesta. De nuevo, esta música florece, culminando en el comienzo marcial de la tercera sección, que da paso a un enérgico coral de metales que es recogido por las cuerdas. Un clímax fantástico nos envuelve en sonido. La textura se apaga, dejándonos el conmovedor dúo de flauta y clarinete de la cuarta sección. El clarinete se eleva a los cielos acompañado por campanas chinas de reflejo y las vibraciones brillantes de copas de vino llenas de agua.

Robert Schumann (1810-1856)

Concierto en la menor para violonchelo y orquesta, Op. 129

Compuesto: 1850
Instrumentación: Violonchelo solista, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, timbales y cuerdas

Las principales obras para violonchelo de Schumann datan de un periodo tardío de su vida, justo antes de que su angustia mental comenzara a sumir su vida en una espiral descendente. En 1849 escribió Cinco piezas en estilo folclórico para violonchelo y piano, así como sus Fantasiestücke (Op. 73) y Adagio y Allegro (Op. 70) para piano con clarinete y trompa respectivamente, en ambas especificó que podía utilizar el violonchelo como alternativa. El Concierto para violonchelo fue escrito en un lapso de dos semanas en octubre de 1850, cuando tenía otras cosas en la cabeza. Él y su familia se habían trasladado a Düsseldorf desde Dresde en septiembre, donde iba a asumir su codiciado cargo asalariado de director de música municipal. Se trataba de un puesto que en su día ocupó Mendelssohn, lo que explica la inclusión del Concierto para piano en sol menor de su predecesor en el programa de su primer concierto con la orquesta en Düsseldorf en octubre, con su esposa Clara (cuya llegada se esperaba con tanta expectación como la de Robert) como solista. Esta elogiada interpretación tuvo lugar el mismo día en que terminó el primer borrador de la partitura del concierto. Schumann continuó revisando la partitura durante al menos tres años, quizá como una forma de automedicación; Clara observó que la obra parecía calmar su mente y devolverle la lucidez. Aunque aún no se había estrenado (no hay constancia de ninguna interpretación en vida de Schumann), el Concierto para violonchelo seguía sin duda en sus pensamientos en 1853, cuando compuso el Offertorium de su Misa en do menor esencialmente como un dúo para violonchelo y soprano.

En noviembre de 1850, Clara escribió en su diario que Schumann "compuso un concierto para violonchelo que me agradó mucho. Parece estar escrito en el verdadero estilo para violonchelo". Con esto probablemente quería decir que la principal característica de la pieza -especialmente los dos primeros movimientos- es su exuberante lirismo, utilizado en lugar de los enfrentamientos dramáticos entre solista y orquesta típicos de los conciertos románticos. Cuando Clara retomó el concierto al año siguiente, no quedó decepcionada:

He vuelto a tocar el Concierto para violonchelo de Robert y me he procurado así una hora verdaderamente musical y feliz. La calidad romántica, el vuelo, la frescura y el humor, así como el interesantísimo entrelazamiento del violonchelo y la orquesta son, en efecto, totalmente arrebatadores, ¡y qué eufonía y qué profundo sentimiento hay en todos los pasajes melódicos!

La música del concierto es la quintaesencia del Romanticismo del siglo XIX, llena de pasión, angustia y fuego. La solista de este concierto, Alisa Weilerstein, describió cómo el estilo compositivo de Schumann se presta idealmente a esta expresión:

En la escritura de Schumann -y creo que esto forma parte del encanto de la música- siempre es un poco incómoda instrumentalmente, para todos los instrumentos para los que ha escrito. No se adapta del todo a la mano [cómodamente], pero eso añade una especie de falta de aliento y tensión.

En el primer movimiento, la orquestación es sensible al registro grave del violonchelo y, tras tocar tres acordes introductorios, la orquesta se repliega y permite que el amplio y apasionado primer tema del violonchelo tome protagonismo. Un tutti orquestal conduce al brillante segundo tema en do mayor en ritmo de tresillos. El desarrollo también se basa en un motivo de tresillos e incluye un solo de trompa que insinúa el tema principal. Tras un falso (pero sorprendentemente convincente) retorno en Fa# menor, llega la verdadera recapitulación que, en lugar de conducir a una cadencia y coda, guía la música hacia una breve sección de transición que sirve de puente entre el primer movimiento y el movimiento Langsam en Fa mayor sin solución de continuidad.

El tierno lirismo del primer movimiento es igualado en el segundo; de hecho, los dos movimientos juntos han sido elogiados por el respetado musicólogo Sir Donald Tovey por su continuo "flujo de melodía íntima". El movimiento, en forma A-B-A, presenta un uso particularmente inventivo del violonchelo, que en un momento dado interpreta una inusual melodía de doble parada y en otro participa en un intercambio con el violonchelo orquestal. De nuevo, el final del movimiento sirve de puente hacia el tercero, recordando los temas principales escuchados anteriormente.

El vigoroso tema rondó del final consiste en un motivo de tres acordes -que recuerda en cierto modo a la apertura de la obra, pero presentado ahora con mucha más fuerza- intercalado con arpegios de violonchelo. En este movimiento, hay mucha más interacción entre el violonchelo y la orquesta, con frases que se intercambian y responden constantemente, y la continuidad de la pieza se enfatiza con alusiones al tema del primer movimiento en la trompa y el clarinete. Al final, el violonchelo obtiene su cadencia virtuosa, especialmente llamativa por el uso que hace del registro grave del instrumento.

Notas de programa escrito por Jon Kochavi