Maurice Ravel (1875-1937)
Minueto de Sonatina para piano
Arreglado por Alasdair Neale (n. 1962)
Compuesta 1905, y arreglada para orquesta por Alasdair Neale en 2008
Instrumentación: Flauta más flautín, oboe más corno inglés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, arpa y cuerdas
En 1903, la Revista Crítica Semanal patrocinó un concurso que llamó la atención de Ravel, en el que se pedía un movimiento de 75 compases de una sonatina para piano. Intrigado por el reto (y tal vez frustrado por su falta de éxito en los concursos del conservador Conservatorio de París), Ravel se apresuró a presentar una obra y la envió. Resultó ser la única obra que recibió la revista, pero fue "descalificada" por superar por poco el requisito de longitud. En realidad, la revista estaba al borde de la quiebra y no estaba muy dispuesta a conceder el premio de 100 francos que había anunciado. Ravel completó la obra dos años más tarde, añadiendo dos movimientos adicionales. Aunque Ravel refundió para orquesta muchas de sus obras para piano, sorprendentemente nunca lo hizo con su popular Sonatine. El maestro Neale orquestó el segundo movimiento de la obra completa en 2008, titulado Mouvement de Menuet. Mientras conducía hacia Sun Valley, escuchaba las grabaciones completas de Ravel de Jean-Yves Thibaudet. Al escuchar el Minueto, el maestro Neale dice: "Como ocurre con gran parte de la música para piano de Ravel, cuando Jean-Yves tocaba empecé a oír colores orquestales y me pregunté por qué nadie había orquestado nunca ese movimiento. Y entonces pensé, '¿por qué yo no?".
El Minueto posee una fluidez grácil, que se remonta a las raíces de su forma en el sigloXVIII y lo vincula al posterior Tombeau de Couperin, interpretado aquí la semana pasada. Desde el punto de vista rítmico, yuxtapone libremente una serie de motivos interrelacionados, produciendo un ritmo infantil que es juguetonamente impredecible. Cambios armónicos sin esfuerzo, salpicados de alteraciones modales, crean un telón de fondo acolchado para la fluida melodía que carece por completo de artificios.
Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Concierto nº 1 en la menor para violonchelo y orquesta, Op. 33
Compuesto: 1872
Instrumentación: Violonchelo solista, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, timbales y cuerdas
Saint-Saëns pertenecía a la generación de compositores franceses anterior a Ravel, aunque su larga vida se prolongó más allá de la muerte de Debussy. Un extraño subproducto de la larga vida de Saint-Saëns fue que, aunque comenzó su carrera como compositor de vanguardia que defendía obras de contemporáneos que no eran aceptados por el establishment, al final de su vida fue tachado de reaccionario musical. En sus inicios, Saint-Saëns admiraba a Schumann y Wagner, que no eran la corriente dominante a mediados del siglo XIX. Sin embargo, para Saint-Saëns era fundamental recuperar el orgullo por la música francesa, y se fijó en Berlioz como modelo para seguir avanzando en el romanticismo francés. Berlioz y Saint-Saëns entablaron una amistad muy pronto en la vida de Saint-Saëns, y es famosa la frase de Berlioz sobre el adolescente prodigio: "Lo sabe todo, pero le falta inexperiencia". Saint-Saëns defendió infatigablemente la música de Berlioz a lo largo de toda su carrera, en una época en la que la música del compositor mayor era despreciada por el establishment.
Saint-Saëns creó la Société Nationale de Musique en 1871, justo después de la muerte de Berlioz, como organización destinada a promover la música de los compositores franceses vivos. La organización estaba especialmente interesada en el crecimiento del cuerpo instrumental de la música francesa. Los miembros de la Société se reunían los domingos para votar nuevas obras y pedir a los compositores que "audicionaran" las piezas en reducción al piano. Como era de esperar, la Société se convirtió rápidamente en una fuerza influyente en la escena musical de París, promoviendo la música de jóvenes promesas como Ravel, quien calificó a Saint-Saëns de genio. La admiración se remontaba directamente al pasado: El principal profesor de composición de Ravel fue Gabriel Fauré, alumno y amigo de Saint-Saëns durante toda su vida.
El Concierto para violonchelo nº 1 es un brillante ejemplo de la influencia de Berlioz en Saint-Saëns. Años después de la muerte de Berlioz, Saint-Saëns escribiría:
Si hay una cualidad que no se puede negar [en] las obras de Berlioz, y que sus más acérrimos adversarios nunca han rebatido, es el brillo, el prodigioso color de su instrumentación. Cuando estudiamos las partituras para buscar el método del compositor, nos encontramos con un asombro tras otro.... La luz baña [la música] y juega como las facetas de un diamante.
De hecho, el concierto de Saint-Saëns amplía los horizontes expresivos con una gran atención al timbre instrumental, al tiempo que mantiene una lealtad subyacente al organicismo de la forma y el equilibrio clásicos.
En términos de forma musical, tema y armonía, el concierto empieza de forma sorprendente, termina de forma sorprendente y gran parte de lo que sucede entre medias es igualmente inesperado. Sin embargo, a lo largo de estos giros y vueltas, Saint-Saëns crea melodías y frases tan atractivas y memorables que fácilmente podríamos pasar por alto estas innovaciones arquitectónicas. El concierto está escrito como un único movimiento continuo con una estructura única. En cierto sentido, podemos considerar el concierto como una obra tradicional de tres movimientos modificada en la que los movimientos se han acortado y concatenado. Por otro lado, la pieza puede interpretarse como un movimiento en forma de sonata muy ampliada, con un minueto insertado en la sección de desarrollo.
Los conciertos suelen comenzar con introducciones orquestales estables y sólidas que sientan las bases para el drama virtuosístico del solista. Aquí, el violonchelista entra inmediatamente y en tres compases ha establecido dos elementos motivacionales a los que Saint-Saëns volverá repetidamente a lo largo de la obra. El tema del tresillo en cascada del violonchelo se convertirá en el aspecto temático más importante de la pieza, proporcionando material para el desarrollo y la transición, así como unificando melódicamente el largo movimiento. Al final de la cascada, hay una figura cromática muy peculiar (llamada "acorde de sexta aumentada de tono común alemán", ¡por cierto comúnmente conocida!), que establece la paleta de colores esencial que Saint-Saëns explorará en la pieza.
El primer segmento del concierto juega con estos elementos básicos, entretejiendo un tema lírico subsidiario antes de pasar a lo que parece una sección de desarrollo. Saint-Saëns ralentiza gradualmente el ritmo hasta que las cuerdas entran con un tema de minueto que marca el comienzo del segundo segmento de la obra. Aunque no hay una cadencia dedicada en la obra, el violonchelista dispone de algunos momentos de virtuosismo solista durante esta sección. La sección final del concierto retoma el tema original en cascada, sonando al principio como una recapitulación. Pero Saint-Saëns tiene otras ideas: finalmente introduce un tema completamente nuevo, evocador y nostálgico, que conduce a una emocionante segunda sección de desarrollo. La coda se traslada inesperadamente a La mayor, saliendo tan rápidamente que apenas tenemos tiempo de procesar lo que nos ha golpeado.
Maurice Ravel (1875-1937)
La Valse
Compuesto: 1919-20
Instrumentación: 3 flautas (la tercera doblando al flautín), 3 oboes (el tercero doblando al corno inglés), 2 clarinetes más clarinete bajo, 2 fagotes más contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, 6 percusiones (pandereta, caja, castañuelas, tam-tam, platillos crash, platillos suspendidos, triángulo, bombo, crótalos, glockenspiel), 2 arpas y cuerdas.
Mientras que Ravel se remonta a la tradición de la danza barroca para el Minueto que abrió nuestro concierto, su fascinante La Valse se inspira en los bailes decadentes de la Viena del sigloXIX. Aquí, sin embargo, la representación de Ravel es más autoconscientemente histórica, siguiendo la forma de danza del vals desde su nacimiento, hasta su cúspide, y a través de su inevitable colapso. Ravel explica que "concibió esta obra como una especie de apoteosis del vals vienés, mezclada, en mi mente, con la impresión de un torbellino fantástico y fatal". Alfredo Casella, compositor y pianista que estrenó la versión para dos pianos de la obra con Ravel en 1920, dividió la música en tres secciones: "El nacimiento del vals", "El vals" y "La apoteosis del vals". Ravel desveló el programa de la primera parte de la pieza al principio de la partitura impresa:
Las nubes arremolinadas dejan entrever, a través de los claros, parejas que bailan el vals. Las nubes se dispersan poco a poco. Se ve una inmensa sala poblada por una multitud giratoria. La escena se ilumina poco a poco. La luz de los candelabros irrumpe fortissimo. Una corte imperial, hacia 1855.
De hecho, el vals parece emerger de la sopa primordial a medida que retazos de melodías de vals aparentemente familiares (algunas incluso de sus propios Valses Nobles et Sentimentales de 1911) se asoman a través del pantano. A medida que el reconocible compás de 3/4 emerge en serio, comienza un animado popurrí de valses "girando". Al final, la danza se convierte en un torbellino caótico, ya que los elementos que unieron el vals en la segunda sección afirman su individualidad y destruyen por completo lo que han creado.
Ravel compuso esta pieza bajo la larga sombra de la Primera Guerra Mundial, y el final de la pieza, escandalosamente violento, no podía sino asociarse con la brutalidad que Europa había presenciado en su pasado reciente. La narración en sí, que detalla el ascenso y la caída fatal de una forma de danza tan estrechamente asociada a la aristocracia vienesa, es paralela a los cambios políticos en el continente durante los 75 años anteriores, aunque Ravel siempre negó un mensaje metafórico manifiesto en esta música.
Notas al programa de Jon Kochavi.